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08.09.2026 • 60 JAHRE STAR TREK
Heute vor 60 Jahren, am 8. September 1966, lief die erste Folge der von Gene Roddenberry erdachten Serie »Raumschiff Enterprise« auf dem amerikanischen Sender NBC. Dies sollte der Startschuss für eines der einflussreichsten, langlebigsten und finanziell lukrativsten Medienfranchises aller Zeiten sein. Inzwischen umfasst das Multiversum der "Vereinigten Föderation der Planeten" neun Realfilm-Hauptserien, mehrere Zeichentrick- und Animationsableger, 13 Kinofilme, einen Streamingfilm und einen aufwendig produzierten Hörspiel-Podcast.
Diese Serien und Filme waren prägend für das Science-Fiction-Genre und insbesondere für Zukunftsutopien. Viele Star-Trek-Elemente wurden Teil der Popkultur, und gesellschaftlicher Fortschritt wurde nicht nur abgebildet, sondern ganz bewusst mitverhandelt – auf der Brücke eines Raumschiffes, auf der 1966 selbstverständlich war, was auf den Straßen der USA durch die Bürgerrechtsbewegung noch erkämpft wurde.
1960er und 1970er: Ein schwacher Start und die Wiederauferstehung
Star Trek war bei Weitem kein Soforthit und konnte nur durch eine beispiellose Briefkampagne der Fans vor der Absetzung aufgrund schlechter Quoten gerettet werden. Die letzte Folge der »Raumschiff Enterprise«-Serie lief am 3. Juni 1969, kurz vor der Landung der Apollo 11 auf dem Mond. Dieses Weltereignis beflügelte das Interesse der Menschen an Raumfahrt und führte dazu, dass die Serie in den 1970ern zum Standardprogramm wurde. In endlosen Wiederholungsschleifen bildete sich eine eigene Subkultur, die zum Beispiel Fan-Conventions sowie Fan-Fictions als eigenes Genre erfand. 1976 benannte sogar die NASA ihren Prototypen des Space Shuttles nach einer Fanpetition "Enterprise".
1980er und 1990er: Die goldene Ära
Nach einem durchaus erfolgreichen und Emmy-prämierten Zeichentrickintermezzo lief ab 1987 erstmals eine neue Realfilm-Serie und führte zum kommerziellen Durchbruch. »Raumschiff Enterprise – Das nächste Jahrhundert« mit Captain Picard (Patrick Stewart) setzte verstärkt auf diplomatische Verhandlungen und erörterte viele hochphilosophische Aspekte. Demgegenüber war »Deep Space Nine« ab 1993 ein Versuch einer dramatischeren Erzählperspektive. Mit »Raumschiff Voyager« bekam erstmals eine Frau die zentrale Rolle und das Sagen an Bord eines Schiffes. 2005 war diese Hochphase dann mit »Enterprise« beendet.
2009 bis 2016: Der Kelvin-Kompromiss
J.J. Abrams' Reboot machte Star Trek zum Blockbuster und tauschte dafür einen Teil des philosophischen Anspruchs gegen Stunts, große Effekte und Tempo. Die Filme waren wahnsinnig erfolgreich, hatten aber vermutlich kulturell die deutlich geringeren Auswirkungen auf die Gesellschaft. Dies führte aber direkt zum neuen Aufblühen des IPs, denn ...
Seit 2017: die Streaming Ära
... mit »Discovery« wurde die ursprüngliche Zeitlinie fortgesetzt, und moderne Produktion wurde mit den philosophischen Fragen der frühen Serie verbunden. Paramount startete eine regelrechte Explosion neuer IPs im Franchise. Neben »Discovery« wurden mit »Picard«, »Lower Decks«, »Prodigy«, »Strange New Worlds« sowie »Starfleet Academy« gleich sechs neue Projekte gestartet. Zu viel, zu unübersichtlich, denn schon jetzt ist deutlich, dass wir einem neuen Ende einer Star-Trek-Ära entgegenarbeiten.
Utopie als Besetzungsentscheidung – Die Figuren des Star-Trek-Universums
Bei der Vielfalt an Serien und Filmen ist die größte Konsistenz aber die Wahl der Figuren, die alle symbolisch für den Willen einer utopischen, pluralen Gesellschaft stehen.
Nyota Uhura (Nichelle Nichols) war 1966 eine Schwarze Frau in einer führenden Position – zu einer Zeit, als schwarze Rollen in den USA fast ausschließlich dienend waren. Hikaru Sulu (George Takei) war 1966 ein asiatischstämmiger Offizier ohne Akzent und Klischee.
Spock ist die Blaupause aller Star-Trek-Außenseiter: zwischen zwei Kulturen, in keiner ganz zu Hause. Leonard Nimoy gab der Figur mit dem vulkanischen Gruß eine Geste, die er einem jüdischen Priestersegen aus seiner Kindheit entlehnt hatte.
Die Linie führt weiter zu Data, der Maschine auf der Suche nach Menschlichkeit und Selbstbestimmung, zu Worf als erstem klingonischen Sternenflottenoffizier zwischen Herkunft und Wahlheimat, und zu Geordi La Forge, dessen Blindheit sinnbildlich für den progressiven Umgang mit Behinderungen stand. Seven of Nine war als sexualisierte Quotenrettung für »Voyager« gedacht – und wurde dann zur präzisesten Trauma-Studie des Franchises.
Michael Burnham war 2017 die erste Schwarze Frau als Hauptfigur eines Star-Trek-Formats, und ihre Darstellerin Sonequa Martin-Green wurde Ziel einer Review-Bombing-Kampagne, die zeigte, wie aktuell der Konflikt von 1966 60 Jahre später geblieben ist. Mariner und Boimler schließlich drehten in »Lower Decks« die Perspektive um: Die Utopie sieht von unten ganz anders aus, auch wenn "unten" hier nur die Nachtschicht meint.
Und jetzt?
Die Bilanz zum Jubiläum ist zwiespältig. Nach dem Abschluss der Skydance-Übernahme wurde Star Trek zwar zur erklärten Priorität der neuen Konzernführung – in der Realität wirkt dies jedoch anders. »Starfleet Academy« endet mit der zweiten Staffel, »Strange New Worlds« mit der fünften, und erstmals seit einem Jahrzehnt ist keine einzige neue Star-Trek-Serie in Produktion oder bestellt. Ein neuer Kinofilm ist angekündigt – aber das ist eine Ankündigung, die Fans seit 2016 in vielen Varianten hören.
Dazu kommt die Ironie des kapitalistischen Konzerns, welcher eine Utopie der Kooperation und Post-Konsum-Gesellschaft verkauft.
Aber: Star Trek hat 1969 schon einmal überlebt, weil das Publikum lauter war als der Sender. Wer weiß, was das für die Zukunft und die nächsten 60 Jahre bedeutet.
Sammlern legen wir die klasse 1/6 Star Trek Figuren von EXO-6 ans Herz, zum Beispiel den neu in der Vorbestellung befindlichen Captain Spock in der Kobayashi Maru Version.
Diese Serien und Filme waren prägend für das Science-Fiction-Genre und insbesondere für Zukunftsutopien. Viele Star-Trek-Elemente wurden Teil der Popkultur, und gesellschaftlicher Fortschritt wurde nicht nur abgebildet, sondern ganz bewusst mitverhandelt – auf der Brücke eines Raumschiffes, auf der 1966 selbstverständlich war, was auf den Straßen der USA durch die Bürgerrechtsbewegung noch erkämpft wurde.
1960er und 1970er: Ein schwacher Start und die Wiederauferstehung
Star Trek war bei Weitem kein Soforthit und konnte nur durch eine beispiellose Briefkampagne der Fans vor der Absetzung aufgrund schlechter Quoten gerettet werden. Die letzte Folge der »Raumschiff Enterprise«-Serie lief am 3. Juni 1969, kurz vor der Landung der Apollo 11 auf dem Mond. Dieses Weltereignis beflügelte das Interesse der Menschen an Raumfahrt und führte dazu, dass die Serie in den 1970ern zum Standardprogramm wurde. In endlosen Wiederholungsschleifen bildete sich eine eigene Subkultur, die zum Beispiel Fan-Conventions sowie Fan-Fictions als eigenes Genre erfand. 1976 benannte sogar die NASA ihren Prototypen des Space Shuttles nach einer Fanpetition "Enterprise".
1980er und 1990er: Die goldene Ära
Nach einem durchaus erfolgreichen und Emmy-prämierten Zeichentrickintermezzo lief ab 1987 erstmals eine neue Realfilm-Serie und führte zum kommerziellen Durchbruch. »Raumschiff Enterprise – Das nächste Jahrhundert« mit Captain Picard (Patrick Stewart) setzte verstärkt auf diplomatische Verhandlungen und erörterte viele hochphilosophische Aspekte. Demgegenüber war »Deep Space Nine« ab 1993 ein Versuch einer dramatischeren Erzählperspektive. Mit »Raumschiff Voyager« bekam erstmals eine Frau die zentrale Rolle und das Sagen an Bord eines Schiffes. 2005 war diese Hochphase dann mit »Enterprise« beendet.
2009 bis 2016: Der Kelvin-Kompromiss
J.J. Abrams' Reboot machte Star Trek zum Blockbuster und tauschte dafür einen Teil des philosophischen Anspruchs gegen Stunts, große Effekte und Tempo. Die Filme waren wahnsinnig erfolgreich, hatten aber vermutlich kulturell die deutlich geringeren Auswirkungen auf die Gesellschaft. Dies führte aber direkt zum neuen Aufblühen des IPs, denn ...
Seit 2017: die Streaming Ära
... mit »Discovery« wurde die ursprüngliche Zeitlinie fortgesetzt, und moderne Produktion wurde mit den philosophischen Fragen der frühen Serie verbunden. Paramount startete eine regelrechte Explosion neuer IPs im Franchise. Neben »Discovery« wurden mit »Picard«, »Lower Decks«, »Prodigy«, »Strange New Worlds« sowie »Starfleet Academy« gleich sechs neue Projekte gestartet. Zu viel, zu unübersichtlich, denn schon jetzt ist deutlich, dass wir einem neuen Ende einer Star-Trek-Ära entgegenarbeiten.
Utopie als Besetzungsentscheidung – Die Figuren des Star-Trek-Universums
Bei der Vielfalt an Serien und Filmen ist die größte Konsistenz aber die Wahl der Figuren, die alle symbolisch für den Willen einer utopischen, pluralen Gesellschaft stehen.
Nyota Uhura (Nichelle Nichols) war 1966 eine Schwarze Frau in einer führenden Position – zu einer Zeit, als schwarze Rollen in den USA fast ausschließlich dienend waren. Hikaru Sulu (George Takei) war 1966 ein asiatischstämmiger Offizier ohne Akzent und Klischee.
Spock ist die Blaupause aller Star-Trek-Außenseiter: zwischen zwei Kulturen, in keiner ganz zu Hause. Leonard Nimoy gab der Figur mit dem vulkanischen Gruß eine Geste, die er einem jüdischen Priestersegen aus seiner Kindheit entlehnt hatte.
Die Linie führt weiter zu Data, der Maschine auf der Suche nach Menschlichkeit und Selbstbestimmung, zu Worf als erstem klingonischen Sternenflottenoffizier zwischen Herkunft und Wahlheimat, und zu Geordi La Forge, dessen Blindheit sinnbildlich für den progressiven Umgang mit Behinderungen stand. Seven of Nine war als sexualisierte Quotenrettung für »Voyager« gedacht – und wurde dann zur präzisesten Trauma-Studie des Franchises.
Michael Burnham war 2017 die erste Schwarze Frau als Hauptfigur eines Star-Trek-Formats, und ihre Darstellerin Sonequa Martin-Green wurde Ziel einer Review-Bombing-Kampagne, die zeigte, wie aktuell der Konflikt von 1966 60 Jahre später geblieben ist. Mariner und Boimler schließlich drehten in »Lower Decks« die Perspektive um: Die Utopie sieht von unten ganz anders aus, auch wenn "unten" hier nur die Nachtschicht meint.
Und jetzt?
Die Bilanz zum Jubiläum ist zwiespältig. Nach dem Abschluss der Skydance-Übernahme wurde Star Trek zwar zur erklärten Priorität der neuen Konzernführung – in der Realität wirkt dies jedoch anders. »Starfleet Academy« endet mit der zweiten Staffel, »Strange New Worlds« mit der fünften, und erstmals seit einem Jahrzehnt ist keine einzige neue Star-Trek-Serie in Produktion oder bestellt. Ein neuer Kinofilm ist angekündigt – aber das ist eine Ankündigung, die Fans seit 2016 in vielen Varianten hören.
Dazu kommt die Ironie des kapitalistischen Konzerns, welcher eine Utopie der Kooperation und Post-Konsum-Gesellschaft verkauft.
Aber: Star Trek hat 1969 schon einmal überlebt, weil das Publikum lauter war als der Sender. Wer weiß, was das für die Zukunft und die nächsten 60 Jahre bedeutet.
Sammlern legen wir die klasse 1/6 Star Trek Figuren von EXO-6 ans Herz, zum Beispiel den neu in der Vorbestellung befindlichen Captain Spock in der Kobayashi Maru Version.
07.09.2026 • S.P.A.C.E POSTCARD COLLECTION SEPTEMBER 2025
Der Wecker klingelt, das Wochenende ist vorbei, und die Laune sinkt auf Kellergeschoss-Niveau. Genau dieses Gefühl bringt unsere September-Postkarte auf den Punkt – natürlich mit dem Meister der Montags-Miesepetrigkeit persönlich: Garfield! 🐱
Mit grummeligem Gesichtsausdruck und seiner "I HATE MONDAYS!"-Tasse bewaffnet, bringt er es einmal mehr auf den Punkt: Montage sind einfach nichts für Katzen (oder für uns Menschen, wenn wir ehrlich sind). Marco hat den faulen Kater für unsere Karte eingefangen. Zum Einsatz kam dabei die Actionfigur von Boss Fight Studio. Und zum Präsentieren hat er sich nicht lumpen lassen und die Karte kurzerhand auf (bzw. in) einer frisch gekochten, leckeren Lasagne drapiert. Das macht den Wochenstart doch direkt ein bisschen erträglicher! 😋
Zusammen mit Marco versüßen wir Euch also den heutigen Montag mit unserer Postkarte im September – wie immer als kleines Gratis-Goodie in jedem Paket, das wir in diesem Monat an Euch versenden.
📸 by @stan_qbrick
Mit grummeligem Gesichtsausdruck und seiner "I HATE MONDAYS!"-Tasse bewaffnet, bringt er es einmal mehr auf den Punkt: Montage sind einfach nichts für Katzen (oder für uns Menschen, wenn wir ehrlich sind). Marco hat den faulen Kater für unsere Karte eingefangen. Zum Einsatz kam dabei die Actionfigur von Boss Fight Studio. Und zum Präsentieren hat er sich nicht lumpen lassen und die Karte kurzerhand auf (bzw. in) einer frisch gekochten, leckeren Lasagne drapiert. Das macht den Wochenstart doch direkt ein bisschen erträglicher! 😋
Zusammen mit Marco versüßen wir Euch also den heutigen Montag mit unserer Postkarte im September – wie immer als kleines Gratis-Goodie in jedem Paket, das wir in diesem Monat an Euch versenden.
📸 by @stan_qbrick
04.09.2026 • TIPPETT STUDIO IN BERKELEY GEHT BANKROTT
Wir stehen auf den Schultern von Riesen
Als der junge Ray Harryhausen mit 13 Jahren zum ersten Mal »King Kong« und die Stop-Motion-Animationen von Willis O'Brien sah, wurde dieser Kinobesuch zu einem Erweckungserlebnis, und er wusste, was er mit seinem Leben anfangen wollte. Viele Jahre später sah ein Siebenjähriger »Sindbads siebente Reise« mit der Tricktechnik von Harryhausen. Sein Name war Phil Tippett. Und auch er sollte seine Spuren in der Filmgeschichte hinterlassen ...
Phil Tippett ist fest mit »Star Wars« und Filmen wie »RoboCop« und »Starship Troopers« verknüpft. 1984 erhielt er für »Die Rückkehr der Jedi-Ritter« seinen ersten Oscar für die besten visuellen Effekte. Er war maßgeblich an der Erschaffung und Animation von Kreaturen wie Jabba the Hutt und dem Rancor-Monster beteiligt. Den zweiten Oscar bekam er als "Dinosaur Supervisor" für »Jurassic Park«.
Das einzig Beständige ist die Veränderung
Bei »Jurassic Park« war Tippett ursprünglich für die Dinosaurier-Effekte verantwortlich und entwickelte dafür aufwendige Go-Motion-Modelle, also mechanische Dinosaurierpuppen, die während der Aufnahme bewegt wurden. Während der Produktion zeigte sich jedoch, dass einige Bewegungsabläufe digital überzeugender und flexibler umgesetzt werden konnten. Als Steven Spielberg die ersten CGI-Tests von Industrial Light & Magic sah, entschied er sich, die großen Dinosaurier weitgehend digital zu realisieren. Tippett verlor dadurch seine ursprünglich geplante zentrale Rolle bei der Animation. Spielberg erkannte aber auch, dass Tippetts jahrzehntelange Erfahrung mit Dinosaurierbewegungen, Anatomie und Animation keineswegs überflüssig war. Er und sein Team wurden in die CGI-Produktion eingebunden und halfen den ILM-Animatoren dabei, die digitalen Dinosaurier glaubwürdig zu bewegen. Auch wenn Stop-Motion nie ganz verschwunden ist, war ironischerweise ein Film über Dinosaurier der erste Film, der das Menetekel der Bedrohung eines zukünftigen Aussterbens dieser Filmtechnik an die Wand malte.
Nach fast 40 Jahren im Filmgeschäft gab Phil Tippett in der letzten Woche die Schließung seines Studios in Berkeley, Kalifornien, aufgrund eines Insolvenzverfahrens bekannt. Am Wochenende gab es dann einen großen Alles-muss-raus-Räumungsverkauf. Requisiten aus Filmklassikern und Franchises wie »Star Wars«, »Jurassic Park«, »RoboCop«, »Ghostbusters« und »Starship Troopers« sowie »Hellboy« und »The Mandalorian« kamen dabei unter den Hammer. Irgendwie traurig – fast so, als würde ein Filmmuseum für immer geschlossen. Der Andrang von Fans, die sich ein Stück Filmgeschichte sichern wollten, war groß. Die Liste der angebotenen Stücke bei der Studio-Liquidationsauktion könnt Ihr Euch hier anschauen:
https://estatesales.org/estate-sales/ca/berkeley/94710/oscar-winner-artist-master-animator-2458900/gallery?page=1
Aber das ist noch nicht das Ende. Das Studio teilte mit, dass der Standort in Berkeley zwar geschlossen werde, der Betrieb in Toronto, Kanada, jedoch fortgesetzt werde und das Unternehmen nicht aufgegeben werde. In einem Interview mit Berkeleyside berichtete Tippett, dass er im Laufe der Jahre "viele schmerzhafte Entscheidungen" für sein Unternehmen habe treffen müssen, da praktische Effekte in der Filmproduktion zunehmend an Bedeutung verloren hätten. Trotz des Verkaufs hat Tippett nicht vor, sich zur Ruhe zu setzen. Gegenüber CBS News äußerte er: "Ich werde mit dem Schwert in der Hand sterben ... Wir waren fast 40 Jahre lang im Geschäft. Es war eine gute Zeit."
Die Magie der praktischen Effekte haben wir selbst bei unzähligen Kinobesuchen immer wieder erlebt. Die Riesen Willis O'Brien, Ray Harryhausen und Phil Tippett lehrten uns das Staunen. Und auch wenn wir uns für so manchen digitalen Effekt begeistern können, wird unser Herz immer für das handgemachte Kino schlagen.
Apropos handgemacht: 2021 erschien »Mad God«, ein Stop-Motion-Herzensprojekt, an dem Phil Tippett 30 Jahre lang gearbeitet hatte. Der Film wurde hauptsächlich unabhängig durch Eigenmittel und über eine Kickstarter-Crowdfunding-Kampagne finanziert und ist auf DVD und Blu-ray erhältlich.
Als der junge Ray Harryhausen mit 13 Jahren zum ersten Mal »King Kong« und die Stop-Motion-Animationen von Willis O'Brien sah, wurde dieser Kinobesuch zu einem Erweckungserlebnis, und er wusste, was er mit seinem Leben anfangen wollte. Viele Jahre später sah ein Siebenjähriger »Sindbads siebente Reise« mit der Tricktechnik von Harryhausen. Sein Name war Phil Tippett. Und auch er sollte seine Spuren in der Filmgeschichte hinterlassen ...
Phil Tippett ist fest mit »Star Wars« und Filmen wie »RoboCop« und »Starship Troopers« verknüpft. 1984 erhielt er für »Die Rückkehr der Jedi-Ritter« seinen ersten Oscar für die besten visuellen Effekte. Er war maßgeblich an der Erschaffung und Animation von Kreaturen wie Jabba the Hutt und dem Rancor-Monster beteiligt. Den zweiten Oscar bekam er als "Dinosaur Supervisor" für »Jurassic Park«.
Das einzig Beständige ist die Veränderung
Bei »Jurassic Park« war Tippett ursprünglich für die Dinosaurier-Effekte verantwortlich und entwickelte dafür aufwendige Go-Motion-Modelle, also mechanische Dinosaurierpuppen, die während der Aufnahme bewegt wurden. Während der Produktion zeigte sich jedoch, dass einige Bewegungsabläufe digital überzeugender und flexibler umgesetzt werden konnten. Als Steven Spielberg die ersten CGI-Tests von Industrial Light & Magic sah, entschied er sich, die großen Dinosaurier weitgehend digital zu realisieren. Tippett verlor dadurch seine ursprünglich geplante zentrale Rolle bei der Animation. Spielberg erkannte aber auch, dass Tippetts jahrzehntelange Erfahrung mit Dinosaurierbewegungen, Anatomie und Animation keineswegs überflüssig war. Er und sein Team wurden in die CGI-Produktion eingebunden und halfen den ILM-Animatoren dabei, die digitalen Dinosaurier glaubwürdig zu bewegen. Auch wenn Stop-Motion nie ganz verschwunden ist, war ironischerweise ein Film über Dinosaurier der erste Film, der das Menetekel der Bedrohung eines zukünftigen Aussterbens dieser Filmtechnik an die Wand malte.
Nach fast 40 Jahren im Filmgeschäft gab Phil Tippett in der letzten Woche die Schließung seines Studios in Berkeley, Kalifornien, aufgrund eines Insolvenzverfahrens bekannt. Am Wochenende gab es dann einen großen Alles-muss-raus-Räumungsverkauf. Requisiten aus Filmklassikern und Franchises wie »Star Wars«, »Jurassic Park«, »RoboCop«, »Ghostbusters« und »Starship Troopers« sowie »Hellboy« und »The Mandalorian« kamen dabei unter den Hammer. Irgendwie traurig – fast so, als würde ein Filmmuseum für immer geschlossen. Der Andrang von Fans, die sich ein Stück Filmgeschichte sichern wollten, war groß. Die Liste der angebotenen Stücke bei der Studio-Liquidationsauktion könnt Ihr Euch hier anschauen:
https://estatesales.org/estate-sales/ca/berkeley/94710/oscar-winner-artist-master-animator-2458900/gallery?page=1
Aber das ist noch nicht das Ende. Das Studio teilte mit, dass der Standort in Berkeley zwar geschlossen werde, der Betrieb in Toronto, Kanada, jedoch fortgesetzt werde und das Unternehmen nicht aufgegeben werde. In einem Interview mit Berkeleyside berichtete Tippett, dass er im Laufe der Jahre "viele schmerzhafte Entscheidungen" für sein Unternehmen habe treffen müssen, da praktische Effekte in der Filmproduktion zunehmend an Bedeutung verloren hätten. Trotz des Verkaufs hat Tippett nicht vor, sich zur Ruhe zu setzen. Gegenüber CBS News äußerte er: "Ich werde mit dem Schwert in der Hand sterben ... Wir waren fast 40 Jahre lang im Geschäft. Es war eine gute Zeit."
Die Magie der praktischen Effekte haben wir selbst bei unzähligen Kinobesuchen immer wieder erlebt. Die Riesen Willis O'Brien, Ray Harryhausen und Phil Tippett lehrten uns das Staunen. Und auch wenn wir uns für so manchen digitalen Effekt begeistern können, wird unser Herz immer für das handgemachte Kino schlagen.
Apropos handgemacht: 2021 erschien »Mad God«, ein Stop-Motion-Herzensprojekt, an dem Phil Tippett 30 Jahre lang gearbeitet hatte. Der Film wurde hauptsächlich unabhängig durch Eigenmittel und über eine Kickstarter-Crowdfunding-Kampagne finanziert und ist auf DVD und Blu-ray erhältlich.
03.09.2026 • THE BLOOD OF DAWNWALKER
Geschöpfe der Nacht, Eure Zeit ist gekommen: Heute ist der Release von »The Blood of Dawnwalker«! Das polnische Studio Rebel Wolves feiert mit dem umfangreichen Dark-Fantasy-Action-RPG auf Basis der Unreal Engine 5 sein Debüt. Grafik, Kampfsystem, Open World und Story wirken mehr als vielversprechend. Das Verderbnis-System sowie der Tag-Nacht-Rhythmus bringen einzigartige Mechaniken ins Game. Etwa 50 bis 70 Spielstunden soll das immersive Singleplayer-Erlebnis umfassen. Der Launch-Trailer bietet Euch atemberaubende Einblicke in eine unbeschreiblich düstere Welt:
https://youtu.be/FC_bDk-I7F4
Ihr schlüpft in die Rolle des 19-jährigen Coen. Seine Familie leidet unter der Schreckensherrschaft des uralten Vampirfürsten Brencis. Während einer Blutmesse in seinem Heimatdorf wird Coen unfreiwillig in einen sogenannten Dawnwalker verwandelt. Brencis kerkert seine Familie ein und wird diese nach 30 Tagen und Nächten auf seiner Krönungsfeier opfern. So lange hat Coen Zeit, sich zu stärken und Verbündete zu finden, um seine Familie zu retten. Als Halbvampir besitzt er zwar den Vorteil, tagsüber nicht zu Asche zu verbrennen, sondern seine menschliche Gestalt zurückzuerlangen, doch nachts erwachen seine vampirischen Instinkte und Kräfte. Ob er sich in ein Monster verwandelt und zum finsteren Herrscher aufsteigt, oder ob er an seiner Menschlichkeit festhält und einen ehrenhaften Weg findet, sein Ziel zu erreichen, ist dabei die Entscheidung des Spielers.
Welchen Weg würdet Ihr in »The Blood of Dawnwalker« wählen?
https://youtu.be/FC_bDk-I7F4
Ihr schlüpft in die Rolle des 19-jährigen Coen. Seine Familie leidet unter der Schreckensherrschaft des uralten Vampirfürsten Brencis. Während einer Blutmesse in seinem Heimatdorf wird Coen unfreiwillig in einen sogenannten Dawnwalker verwandelt. Brencis kerkert seine Familie ein und wird diese nach 30 Tagen und Nächten auf seiner Krönungsfeier opfern. So lange hat Coen Zeit, sich zu stärken und Verbündete zu finden, um seine Familie zu retten. Als Halbvampir besitzt er zwar den Vorteil, tagsüber nicht zu Asche zu verbrennen, sondern seine menschliche Gestalt zurückzuerlangen, doch nachts erwachen seine vampirischen Instinkte und Kräfte. Ob er sich in ein Monster verwandelt und zum finsteren Herrscher aufsteigt, oder ob er an seiner Menschlichkeit festhält und einen ehrenhaften Weg findet, sein Ziel zu erreichen, ist dabei die Entscheidung des Spielers.
Welchen Weg würdet Ihr in »The Blood of Dawnwalker« wählen?
03.09.2026 • WEIHNACHTEN WIRD MAGISCH
Nicht nur in den Supermärkten startet mit den ersten Lebkuchen der Countdown zur Weihnachtszeit, sondern auch bei HBO Max. An Weihnachten wird dort nämlich das Harry-Potter-Reboot in Serienform starten, und gestern gab's einen neuen magischen Teaser Trailer dazu:
https://youtu.be/liCENKhU8U4
Wir sind gespannt auf diese erste Staffel, die die Geschichte aus dem Buch »Harry Potter und der Stein der Weisen« zurück in unsere Heimkinos bringt – und das mit zusätzlichen Details und Szenen, wie bereits die Trailer verraten! Eine zweite Staffel, die »Die Kammer des Schreckens« adaptieren soll, wurde bereits bestellt.
https://youtu.be/liCENKhU8U4
Wir sind gespannt auf diese erste Staffel, die die Geschichte aus dem Buch »Harry Potter und der Stein der Weisen« zurück in unsere Heimkinos bringt – und das mit zusätzlichen Details und Szenen, wie bereits die Trailer verraten! Eine zweite Staffel, die »Die Kammer des Schreckens« adaptieren soll, wurde bereits bestellt.
02.09.2026 • THE MANDALORIAN AND GROGU AUF DISNEY+
Diesen Mai durften wir in »The Mandalorian and Grogu« eines unserer liebsten Star-Wars-Duos zum ersten Mal auf der großen Leinwand erleben. Darin geht Din Djarin zusammen mit seinem Schützling für die Neue Republik auf die Jagd nach imperialen Kriegsverbrechern. Wer den Film damals verpasst hat, kann ihn ab heute auf Disney+ nachholen. Also holt Euch 'nen Snack, fläzt Euch auf's Sofa und gönnt Euch »The Mandalorian and Grogu«!
Passend dazu findet Ihr bei uns zahlreiche Collectibles zum Film – von den zuckersüßen Statuen aus Iron Studios' »Grogu Collection« bis hin zu diversen hochwertigen 1/6 Figuren von Hot Toys. Checkt doch mal die Filmkategorie in unserem Shop!
Passend dazu findet Ihr bei uns zahlreiche Collectibles zum Film – von den zuckersüßen Statuen aus Iron Studios' »Grogu Collection« bis hin zu diversen hochwertigen 1/6 Figuren von Hot Toys. Checkt doch mal die Filmkategorie in unserem Shop!
02.09.2026 • 25 JAHRE THE DEVIL'S BACKBONE
Dieser Tage vor 25 Jahren, vom 31. August bis zum 3. September 2001, lief »The Devil's Backbone« beim Telluride Film Festival in Colorado, vorgestellt vom Regisseur persönlich. Es war die nordamerikanische Premiere; in den spanischen Kinos war Guillermo del Toros dritter Film bereits seit April zu sehen. Ein Kassenschlager war er nicht, dieses besondere Festival-Momentum gab es auch nicht. Das Interesse wuchs einfach still und unter Insidern weiter, Jahr um Jahr. Große Aufmerksamkeit bekam der Film erst 5 Jahre später mit dem Erfolg seines geistigen Nachfolgers »Pan's Labyrinth« und gilt heute als Schlüsselwerk del Toros Schaffens und als einer der schönsten Geisterfilme, die je gedreht wurden.
Der Weg dorthin war bitter. Nach dem gefeierten Debüt »Cronos« (1993) endete del Toros Hollywood-Ausflug »Mimic« (1997) im Machtkampf mit den Weinsteins um den Final Cut. Kurz darauf wurde sein Vater in Guadalajara entführt und wochenlang festgehalten, James Cameron half mit dem Lösegeld aus. Del Toro verließ daraufhin mit seinen Eltern und Geschwistern Mexiko. Gerettet hat sein Herzensprojekt »The Devil's Backbone«, welches er seit Filmschulzeiten mit sich herumtrug, dann Spanien: El Deseo, die Produktionsfirma von Pedro und Agustín Almodóvar, holte ihn nach Madrid. Zum Ensemble stieß Marisa Paredes, eine Ikone des spanischen Kinos und über Jahrzehnte hinweg die wichtigste Darstellerin Pedro Almodóvars.
Der nächste Abschnitt enthält ein paar Spoiler – also erstmal Film angucken, dann weiterlesen!
Spanien, 1939, letztes Jahr des Bürgerkriegs. Der junge Carlos (Fernando Tielve) wird im abgelegenen Waisenhaus Santa Lucía abgesetzt. Im Innenhof steckt eine Fliegerbombe im Boden, nicht detoniert, aufrecht wie ein Grabstein. Die Kinder behaupten, man könne sie noch ticken hören. Die Leiterin Carmen (Paredes) und Dr. Casares (Federico Luppi) verwahren republikanisches Gold vor den Schergen des Franco-Regimes, hinter dem auch der übel gelaunte Hausmeister Jacinto (Eduardo Noriega) her ist. Und nachts flüstert etwas in den Gängen. "Der, der seufzt", nennen die Jungen es.
Der Geist Santi ist dabei keine Schockmaschine, sondern eher ein Bild von schmerzhafter Schönheit: das ertrunkene Kind mit dem aufgeplatzten Schädel, um den sich das Blut kräuselt wie Rauch im Wasser führt durch die Geschichte. Hier legt del Toro das Fundament seines Horrorbegriffs: Der Geist ist Opfer, Zeuge, Warnung. Das Böse dagegen ist menschlich, real. Diese Umkehrung zieht sich durch del Toros ganzes Werk bis zu »Crimson Peak«, wo die Toten der Heldin helfen und die Lebenden sie umbringen wollen. Del Toro hat oft gesagt, dass er Autorität und Doktrin aufs tiefste verabscheut und das spiegelt sich in seinem Verständnis von Gut und Böse wider. Der Krieg selbst ist im Film eine Hauptfigur. Er kommt nie direkt ins Bild und ist doch überall: in der Bombe, in ausbleibendem Nachschub, in Jacintos Verrohung. Eine sehr reale Angst, gegen die das Übernatürliche beinahe tröstlich wirkt.
Getragen wird das von einem Ensemble, das ungewöhnlich viel Zärtlichkeit ins Horrorgenre trägt. Fernando Tielve als Carlos und Íñigo Garcés als Jaime spielen ohne jede Kinderdarsteller-Niedlichkeit, mit einer Sprödigkeit, die man Kindern selten zutraut. Vor allem zu erwähnen aber sind Federico Luppi und Marisa Paredes als Leiter des Waisenhauses: zwei alternde Menschen, zwischen denen eine nie ausgesprochene Liebe steht und die ein Haus voller fremder Kinder mit einer Wärme führen, wie sie im Horrorfilm eigentlich schlicht nicht vorkommt. Luppis Casares ist müde, sanft und in einem Krieg, der für seine Seite verloren gegangen ist, machtlos, und ihm gehört der vielleicht schönste Prolog des Genres: "Was ist ein Geist? Eine Tragödie, die verdammt dazu ist, sich selbst zu wiederholen?"
Beide Schauspieler sind leider inzwischen verstorben, Luppi 2017, Paredes im Dezember 2024. Und so wirken ihre gemeinsamen Szenen und vor allem ihr doch irgendwie heroisches Ableben am Ende heute wie ein Nachruf, der etwa 20 Jahre zu früh gedreht wurde.
Kameramann Guillermo Navarro taucht die Tage in staubiges Bernstein und die Nächte in ein kaltes, wässriges Grün – ein stilisierter Farbkontrast, der viele der gemeinsamen Werke von Navarro und del Toro prägen sollte. Javier Navarrete verzichtet in seiner Musik auf spannungsaufbauende Streicher-Sticheleien und setzt stattdessen auf träumerische, fast wiegenliedhafte Motive, welche eine traurige Ruhe statt Jumpscares implementieren. Fünf Jahre später hat er diesen Ton in »Pan's Labyrinth« weitergesponnen, bis zur Oscar-Nominierung. Auch Tielve, Garcés und Luppi waren im Labyrinth wieder dabei, die beiden Jungen als namenlose Maquis, die den Krieg nicht überleben – ein mögliches Schicksal, das den Jungs des Waisenhauses nach dem Abspann hätte widerfahren können. Del Toro selbst nennt die beiden Werke Geschwisterfilme, hier der Krieg, dort seine Nachwehen unter Franco. Am 11. Oktober wird »Pan's Labyrinth« zwanzig. Ein besserer Anlass für einen Doppelfilmabend fällt uns nicht ein.
Im Streaming läuft »The Devil's Backbone« hierzulande bei Amazon Prime Video, und wer einen Büchereiausweis hat, bekommt ihn bei Filmfriend sogar kostenlos. Ins Regal gehört er trotzdem. Wicked Vision hat den Film in Deutschland in mehreren Auflagen präsentiert, und die neue 4K-Restaurierung von StudioCanal, die im April zum 25. Jubiläum erschien, lässt Navarros Farben endlich zu ihrem vollen Recht kommen.
Spannend für Sammler ist natürlich auch die wunderschöne aber leider vergriffene Santi-Figur aus der Guillermo del Toro Signature Collection von NECA.
Der Weg dorthin war bitter. Nach dem gefeierten Debüt »Cronos« (1993) endete del Toros Hollywood-Ausflug »Mimic« (1997) im Machtkampf mit den Weinsteins um den Final Cut. Kurz darauf wurde sein Vater in Guadalajara entführt und wochenlang festgehalten, James Cameron half mit dem Lösegeld aus. Del Toro verließ daraufhin mit seinen Eltern und Geschwistern Mexiko. Gerettet hat sein Herzensprojekt »The Devil's Backbone«, welches er seit Filmschulzeiten mit sich herumtrug, dann Spanien: El Deseo, die Produktionsfirma von Pedro und Agustín Almodóvar, holte ihn nach Madrid. Zum Ensemble stieß Marisa Paredes, eine Ikone des spanischen Kinos und über Jahrzehnte hinweg die wichtigste Darstellerin Pedro Almodóvars.
Der nächste Abschnitt enthält ein paar Spoiler – also erstmal Film angucken, dann weiterlesen!
Spanien, 1939, letztes Jahr des Bürgerkriegs. Der junge Carlos (Fernando Tielve) wird im abgelegenen Waisenhaus Santa Lucía abgesetzt. Im Innenhof steckt eine Fliegerbombe im Boden, nicht detoniert, aufrecht wie ein Grabstein. Die Kinder behaupten, man könne sie noch ticken hören. Die Leiterin Carmen (Paredes) und Dr. Casares (Federico Luppi) verwahren republikanisches Gold vor den Schergen des Franco-Regimes, hinter dem auch der übel gelaunte Hausmeister Jacinto (Eduardo Noriega) her ist. Und nachts flüstert etwas in den Gängen. "Der, der seufzt", nennen die Jungen es.
Der Geist Santi ist dabei keine Schockmaschine, sondern eher ein Bild von schmerzhafter Schönheit: das ertrunkene Kind mit dem aufgeplatzten Schädel, um den sich das Blut kräuselt wie Rauch im Wasser führt durch die Geschichte. Hier legt del Toro das Fundament seines Horrorbegriffs: Der Geist ist Opfer, Zeuge, Warnung. Das Böse dagegen ist menschlich, real. Diese Umkehrung zieht sich durch del Toros ganzes Werk bis zu »Crimson Peak«, wo die Toten der Heldin helfen und die Lebenden sie umbringen wollen. Del Toro hat oft gesagt, dass er Autorität und Doktrin aufs tiefste verabscheut und das spiegelt sich in seinem Verständnis von Gut und Böse wider. Der Krieg selbst ist im Film eine Hauptfigur. Er kommt nie direkt ins Bild und ist doch überall: in der Bombe, in ausbleibendem Nachschub, in Jacintos Verrohung. Eine sehr reale Angst, gegen die das Übernatürliche beinahe tröstlich wirkt.
Getragen wird das von einem Ensemble, das ungewöhnlich viel Zärtlichkeit ins Horrorgenre trägt. Fernando Tielve als Carlos und Íñigo Garcés als Jaime spielen ohne jede Kinderdarsteller-Niedlichkeit, mit einer Sprödigkeit, die man Kindern selten zutraut. Vor allem zu erwähnen aber sind Federico Luppi und Marisa Paredes als Leiter des Waisenhauses: zwei alternde Menschen, zwischen denen eine nie ausgesprochene Liebe steht und die ein Haus voller fremder Kinder mit einer Wärme führen, wie sie im Horrorfilm eigentlich schlicht nicht vorkommt. Luppis Casares ist müde, sanft und in einem Krieg, der für seine Seite verloren gegangen ist, machtlos, und ihm gehört der vielleicht schönste Prolog des Genres: "Was ist ein Geist? Eine Tragödie, die verdammt dazu ist, sich selbst zu wiederholen?"
Beide Schauspieler sind leider inzwischen verstorben, Luppi 2017, Paredes im Dezember 2024. Und so wirken ihre gemeinsamen Szenen und vor allem ihr doch irgendwie heroisches Ableben am Ende heute wie ein Nachruf, der etwa 20 Jahre zu früh gedreht wurde.
Kameramann Guillermo Navarro taucht die Tage in staubiges Bernstein und die Nächte in ein kaltes, wässriges Grün – ein stilisierter Farbkontrast, der viele der gemeinsamen Werke von Navarro und del Toro prägen sollte. Javier Navarrete verzichtet in seiner Musik auf spannungsaufbauende Streicher-Sticheleien und setzt stattdessen auf träumerische, fast wiegenliedhafte Motive, welche eine traurige Ruhe statt Jumpscares implementieren. Fünf Jahre später hat er diesen Ton in »Pan's Labyrinth« weitergesponnen, bis zur Oscar-Nominierung. Auch Tielve, Garcés und Luppi waren im Labyrinth wieder dabei, die beiden Jungen als namenlose Maquis, die den Krieg nicht überleben – ein mögliches Schicksal, das den Jungs des Waisenhauses nach dem Abspann hätte widerfahren können. Del Toro selbst nennt die beiden Werke Geschwisterfilme, hier der Krieg, dort seine Nachwehen unter Franco. Am 11. Oktober wird »Pan's Labyrinth« zwanzig. Ein besserer Anlass für einen Doppelfilmabend fällt uns nicht ein.
Im Streaming läuft »The Devil's Backbone« hierzulande bei Amazon Prime Video, und wer einen Büchereiausweis hat, bekommt ihn bei Filmfriend sogar kostenlos. Ins Regal gehört er trotzdem. Wicked Vision hat den Film in Deutschland in mehreren Auflagen präsentiert, und die neue 4K-Restaurierung von StudioCanal, die im April zum 25. Jubiläum erschien, lässt Navarros Farben endlich zu ihrem vollen Recht kommen.
Spannend für Sammler ist natürlich auch die wunderschöne aber leider vergriffene Santi-Figur aus der Guillermo del Toro Signature Collection von NECA.
01.09.2026 • PRODUKT DES MONATS SEPTEMBER 2026
Mit unserem 💥 Produkt des Monats 💥 September 2026 wollen wir eine Actionfigur im beliebten Maßstab 1:12 feiern und gleichzeitig dem Fantasy-Genre und dem großen Frank Frazetta die Ehre erweisen. Unsere Wahl fiel auf Darkwolf – Version 2, eine Figur von ICON Collectibles by Frazetta Girls, basierend auf dem Animationsfilm »Fire and Ice«:
https://bit.ly/sf_pdm_sep26
Frank Frazetta (1928–2010) gilt als einer der einflussreichsten Fantasy- und Science-Fiction-Illustratoren und ist von enormer Bedeutung für die Fantasy- und Populärkultur. Zunehmend wird auch seine Stellung innerhalb der etablierten Kunstgeschichte gewürdigt.
Seine Bilder haben wesentlich dazu beigetragen, wie unsere Popkultur sich Conan, Barbaren, Monster, Krieger, Hexen und fantastische Welten vorstellt. Seine Wirkung reicht damit weit über die ursprüngliche Funktion seiner Bilder als Buchcover hinaus.
»Fire and Ice« ist ein Fantasy-Zeichentrickfilm von 1983, der unter der Regie von Ralph Bakshi und unter Mitwirkung von Frank Frazetta entstand. Wie schon in seinem »Herr der Ringe«-Animationsfilm benutzte Bakshi das aufwendige Rotoskopie-Verfahren, bei dem echte Darsteller gefilmt und dann Bild für Bild überzeichnet werden. Viele der Figuren, darunter auch Darkwolf, wurden von Frank Frazetta kreiert.
Das Werk war damals ein finanzieller Misserfolg. Die Kritik lobte zwar die dynamischen Animationen, doch inhaltlich fiel die Geschichte durch. Das Drehbuch versammle flach gezeichnete Fantasy-Stereotype und sei so banal wie vorhersehbar.
Vielleicht waren auch die Erwartungen an einen Film unter der Mitwirkung von Frank Frazetta einfach zu hoch. Seine Bilder regen unsere Imagination an und schicken unsere Fantasie auf die Reise in phantastische Welten. Im Konkreten des Streifens geriet das leider wohl zu flach. Und heute, mehr als 40 Jahre später, wirkt der Zeichentrickfilm, gemessen an dem, was heute möglich ist, natürlich deutlich in die Jahre gekommen.
So wie Frazettas Bilder unsere Fantasie anregen, tun das auch Actionfiguren. Auf ihrer langen Reise vom Spielzeug zum Collectible nehmen sie uns mit in eine Welt voller Magie und Abenteuer.
Gerade der Maßstab 1:12 und ähnlich große Formate sind in den letzten Jahren bei Fantasy-Figuren eine beliebte Größe für Linien wie »Masters of the Universe« von Mattel und Mondo, »Savage Crucible« von Harvinger Studios und »Mythic Legions« (etwas größer als 1:12) von Four Horsemen geworden – und natürlich für ICON Collectibles, die offizielle Collectibles-Linie von Frazetta Girls, dem Familienunternehmen, das sich um das Vermächtnis des Fantasy-Künstlers kümmert. Frazetta Girls wurde 2013 von Frazettas Tochter Holly und seiner Enkelin Sara gegründet; heute wird das Unternehmen von Sara Frazetta und Joe Weber geführt.
ICON Collectibles wurde 2023 gestartet und ist damit noch ein relativ junger Player im Collectibles-Markt. Der entscheidende Unterschied: Hier handelt es sich nicht um einen Hersteller, der sich lediglich eine Frazetta-Lizenz einkauft. ICON wird direkt von der Frazetta-Familie beziehungsweise dem Frazetta Estate entwickelt und kontrolliert. Neben Frazettas eigenen Charakteren arbeitet Frazetta Girls auch mit den Rechteinhabern von Conan, John Carter, Vampirella u. a. zusammen.
Besonders interessant sind die »Fire and Ice«-Figuren, weil sie nicht einfach generische Frazetta-Figuren darstellen, sondern auf der von Frazetta entworfenen und durch Ralph Bakshis Animationsfilm bekannten Welt basieren. Neben Darkwolf sind bisher auch Teegra und Nekron erschienen.
Unser Produkt des Monats Darkwolf präsentiert sich als muskelbepackter, archaischer Fantasy-Krieger mit braunem, nahezu nacktem Oberkörper. Besonders markant sind der schwarze Wolfskopf als Kopfbedeckung, die lange Fellmähne, die knöcherne Halskette sowie die Fell- und Lederausstattung. Ein breiter, mit Nieten besetzter Ledergürtel mit auffälliger Metallplakette und ein Fell-Lendenschurz vervollständigen den barbarisch-prähistorischen Look.
Darkwolf ist mit seiner charakteristischen großen Doppelklingenaxt sowie mit Pfeil und Bogen bewaffnet. Er war das allererste Release von ICON Collectibles überhaupt, wurde vor drei Jahren in einem relativ kleinen Run produziert und war dementsprechend rasch vergriffen. Die aktuelle Neuauflage enthält neben dem maskierten Kopf mit drei austauschbaren unteren Gesichtshälften mit unterschiedlichen Ausdrücken zusätzlich einen unmaskierten Kopf, inspiriert von Frank Frazettas ursprünglichem Design. Die zahlreichen Fell-, Leder- und Metallstrukturen sorgen dabei für eine für das relativ kleine Format bemerkenswerte Detailwirkung. Stellt ihm Teegra zur Seite oder stellt den Kampf mit Nekron nach!
https://bit.ly/sf_pdm_sep26
Frank Frazetta (1928–2010) gilt als einer der einflussreichsten Fantasy- und Science-Fiction-Illustratoren und ist von enormer Bedeutung für die Fantasy- und Populärkultur. Zunehmend wird auch seine Stellung innerhalb der etablierten Kunstgeschichte gewürdigt.
Seine Bilder haben wesentlich dazu beigetragen, wie unsere Popkultur sich Conan, Barbaren, Monster, Krieger, Hexen und fantastische Welten vorstellt. Seine Wirkung reicht damit weit über die ursprüngliche Funktion seiner Bilder als Buchcover hinaus.
»Fire and Ice« ist ein Fantasy-Zeichentrickfilm von 1983, der unter der Regie von Ralph Bakshi und unter Mitwirkung von Frank Frazetta entstand. Wie schon in seinem »Herr der Ringe«-Animationsfilm benutzte Bakshi das aufwendige Rotoskopie-Verfahren, bei dem echte Darsteller gefilmt und dann Bild für Bild überzeichnet werden. Viele der Figuren, darunter auch Darkwolf, wurden von Frank Frazetta kreiert.
Das Werk war damals ein finanzieller Misserfolg. Die Kritik lobte zwar die dynamischen Animationen, doch inhaltlich fiel die Geschichte durch. Das Drehbuch versammle flach gezeichnete Fantasy-Stereotype und sei so banal wie vorhersehbar.
Vielleicht waren auch die Erwartungen an einen Film unter der Mitwirkung von Frank Frazetta einfach zu hoch. Seine Bilder regen unsere Imagination an und schicken unsere Fantasie auf die Reise in phantastische Welten. Im Konkreten des Streifens geriet das leider wohl zu flach. Und heute, mehr als 40 Jahre später, wirkt der Zeichentrickfilm, gemessen an dem, was heute möglich ist, natürlich deutlich in die Jahre gekommen.
So wie Frazettas Bilder unsere Fantasie anregen, tun das auch Actionfiguren. Auf ihrer langen Reise vom Spielzeug zum Collectible nehmen sie uns mit in eine Welt voller Magie und Abenteuer.
Gerade der Maßstab 1:12 und ähnlich große Formate sind in den letzten Jahren bei Fantasy-Figuren eine beliebte Größe für Linien wie »Masters of the Universe« von Mattel und Mondo, »Savage Crucible« von Harvinger Studios und »Mythic Legions« (etwas größer als 1:12) von Four Horsemen geworden – und natürlich für ICON Collectibles, die offizielle Collectibles-Linie von Frazetta Girls, dem Familienunternehmen, das sich um das Vermächtnis des Fantasy-Künstlers kümmert. Frazetta Girls wurde 2013 von Frazettas Tochter Holly und seiner Enkelin Sara gegründet; heute wird das Unternehmen von Sara Frazetta und Joe Weber geführt.
ICON Collectibles wurde 2023 gestartet und ist damit noch ein relativ junger Player im Collectibles-Markt. Der entscheidende Unterschied: Hier handelt es sich nicht um einen Hersteller, der sich lediglich eine Frazetta-Lizenz einkauft. ICON wird direkt von der Frazetta-Familie beziehungsweise dem Frazetta Estate entwickelt und kontrolliert. Neben Frazettas eigenen Charakteren arbeitet Frazetta Girls auch mit den Rechteinhabern von Conan, John Carter, Vampirella u. a. zusammen.
Besonders interessant sind die »Fire and Ice«-Figuren, weil sie nicht einfach generische Frazetta-Figuren darstellen, sondern auf der von Frazetta entworfenen und durch Ralph Bakshis Animationsfilm bekannten Welt basieren. Neben Darkwolf sind bisher auch Teegra und Nekron erschienen.
Unser Produkt des Monats Darkwolf präsentiert sich als muskelbepackter, archaischer Fantasy-Krieger mit braunem, nahezu nacktem Oberkörper. Besonders markant sind der schwarze Wolfskopf als Kopfbedeckung, die lange Fellmähne, die knöcherne Halskette sowie die Fell- und Lederausstattung. Ein breiter, mit Nieten besetzter Ledergürtel mit auffälliger Metallplakette und ein Fell-Lendenschurz vervollständigen den barbarisch-prähistorischen Look.
Darkwolf ist mit seiner charakteristischen großen Doppelklingenaxt sowie mit Pfeil und Bogen bewaffnet. Er war das allererste Release von ICON Collectibles überhaupt, wurde vor drei Jahren in einem relativ kleinen Run produziert und war dementsprechend rasch vergriffen. Die aktuelle Neuauflage enthält neben dem maskierten Kopf mit drei austauschbaren unteren Gesichtshälften mit unterschiedlichen Ausdrücken zusätzlich einen unmaskierten Kopf, inspiriert von Frank Frazettas ursprünglichem Design. Die zahlreichen Fell-, Leder- und Metallstrukturen sorgen dabei für eine für das relativ kleine Format bemerkenswerte Detailwirkung. Stellt ihm Teegra zur Seite oder stellt den Kampf mit Nekron nach!
31.08.2026 • DIE HIGHLIGHTS DER GAMESCOM UND GTA VI
Die Game-Welt steht Kopf, der Hype ist gigantisch, denn nach 13 Jahren steht endlich der nächste Teil einer der bekanntesten Gamereihen in den Startlöchern. Ob berechtigt oder nicht, darüber scheiden sich definitiv die Geister, aber wir kommen um das Thema »Grand Theft Auto« einfach nicht drumherum:
Am Donnerstag, zeitgleich mit der Gamescom, wurde ein etwa 26-minütiges Special auf Netflix gezeigt. Darin sind Gameplay und Story von »GTA VI«, das am 19. November endlich erscheinen soll, als In-Game-Aufnahmen von der PlayStation 5 zu sehen. Es sieht natürlich äußerst spektakulär aus, und neben den Open-World-Action-Stories wird auch klar, dass die Rollenspielaspekte gegenüber dem Vorgänger nochmals wesentlich ausgebaut wurden – so hat man z. B. selbst Einfluss auf die Beziehungsdynamik der beiden Protagonisten:
https://youtu.be/tJbzMqJGH4k
Diese News überschattete natürlich, trotz des Fehlens eines Stands von Rockstar Games, die etlichen weiteren Neuankündigungen und Präsentationen auf der Messe. Deshalb wollen wir Euch hier einige der unserer Meinung nach spannendsten Highlights der Gamescom im Schnelldurchlauf vorstellen:
»The Witcher 3: Wild Hunt Remastered« und »Songs of the Past«
Elf Jahre nach der ursprünglichen Veröffentlichung beschert uns CD Projekt RED überraschend ein Remaster, das am 29. September erscheinen und für alle Besitzer des Spiels kostenlos sein soll, sowie eine komplett neue große Story-Erweiterung, die nächstes Jahr herauskommen soll:
https://youtu.be/G3kuMWediSQ
»Fable«
Ein sehr hübsches Reboot der beliebten Fantasy-Action-RPG-Reihe mit Life-Sim-Elementen, das am 23. Februar erscheint:
https://youtu.be/vjQNvjTF56o
»Tides of Annihilation«
Ein sehr düsteres Action-Adventure, basierend auf den Legenden rund um die Ritter der Tafelrunde, mit einem wunderschönen Artstyle:
https://youtu.be/FEUjBGWiUa4
Ein Release-Termin ist noch nicht bekannt.
»Stuntman: Hollywood«
Nach 20 Jahren geht die »Stuntman«-Rennspiel-Reihe weiter und beinhaltet dieses Mal echte Filmlizenzen wie »Fast & Furious«, »Knight Rider«, »Back to the Future« und »Jurassic World«:
https://youtu.be/LEKt2lX4Xxs
Auch hier steht noch kein Starttermin fest.
»Rainbow Six Tactics«
Der neue Teil der »Rainbow Six«-Reihe, der nächstes Jahr herauskommen soll, ist erstmals ein reines Single-Player-Game, rundenbasiert in der taktischen Draufsicht statt eines Multiplayer-First-Person-Actionshooters:
https://youtu.be/HoDIxvqQfxQ
»Orbitals«
Ein Couch-Pärchen-Koop-Game mit einem wunderschönen, von 80er- und 90er-Jahre-Animes wie »Sailor Moon«, »Dragonball Z« oder »Ghost in the Shell« inspirierten Artstyle:
https://youtu.be/IBqFf2mXV9Y
Ihr könnt »Orbitals« bereits ab Donnerstag spielen!
»1001 Threads of Mizan«
Von vielen Besuchern als der Überraschungshit gefeiert: ein Koop-Action-Abenteuer, basierend auf »Tausendundeine Nacht«, das wirklich wunderschön aussieht:
https://youtu.be/9boclMow7JA
Ein Termin für den Release steht noch aus.
»Warlock: Dungeons & Dragons«
Und zu guter Letzt noch ein Spiel, das zwar nicht direkt auf der Gamescom vorgestellt wurde, aber trotzdem letzte Woche im Rahmen der Messe einen ersten richtigen Trailer bekommen hat und durchaus ein richtiges Highlight des nächsten Jahres werden könnte:
https://youtu.be/pNw0sh481bA
Werdet Ihr »GTA VI« spielen, und auf welche der Neuvorstellungen freut Ihr Euch ganz besonders?
Am Donnerstag, zeitgleich mit der Gamescom, wurde ein etwa 26-minütiges Special auf Netflix gezeigt. Darin sind Gameplay und Story von »GTA VI«, das am 19. November endlich erscheinen soll, als In-Game-Aufnahmen von der PlayStation 5 zu sehen. Es sieht natürlich äußerst spektakulär aus, und neben den Open-World-Action-Stories wird auch klar, dass die Rollenspielaspekte gegenüber dem Vorgänger nochmals wesentlich ausgebaut wurden – so hat man z. B. selbst Einfluss auf die Beziehungsdynamik der beiden Protagonisten:
https://youtu.be/tJbzMqJGH4k
Diese News überschattete natürlich, trotz des Fehlens eines Stands von Rockstar Games, die etlichen weiteren Neuankündigungen und Präsentationen auf der Messe. Deshalb wollen wir Euch hier einige der unserer Meinung nach spannendsten Highlights der Gamescom im Schnelldurchlauf vorstellen:
»The Witcher 3: Wild Hunt Remastered« und »Songs of the Past«
Elf Jahre nach der ursprünglichen Veröffentlichung beschert uns CD Projekt RED überraschend ein Remaster, das am 29. September erscheinen und für alle Besitzer des Spiels kostenlos sein soll, sowie eine komplett neue große Story-Erweiterung, die nächstes Jahr herauskommen soll:
https://youtu.be/G3kuMWediSQ
»Fable«
Ein sehr hübsches Reboot der beliebten Fantasy-Action-RPG-Reihe mit Life-Sim-Elementen, das am 23. Februar erscheint:
https://youtu.be/vjQNvjTF56o
»Tides of Annihilation«
Ein sehr düsteres Action-Adventure, basierend auf den Legenden rund um die Ritter der Tafelrunde, mit einem wunderschönen Artstyle:
https://youtu.be/FEUjBGWiUa4
Ein Release-Termin ist noch nicht bekannt.
»Stuntman: Hollywood«
Nach 20 Jahren geht die »Stuntman«-Rennspiel-Reihe weiter und beinhaltet dieses Mal echte Filmlizenzen wie »Fast & Furious«, »Knight Rider«, »Back to the Future« und »Jurassic World«:
https://youtu.be/LEKt2lX4Xxs
Auch hier steht noch kein Starttermin fest.
»Rainbow Six Tactics«
Der neue Teil der »Rainbow Six«-Reihe, der nächstes Jahr herauskommen soll, ist erstmals ein reines Single-Player-Game, rundenbasiert in der taktischen Draufsicht statt eines Multiplayer-First-Person-Actionshooters:
https://youtu.be/HoDIxvqQfxQ
»Orbitals«
Ein Couch-Pärchen-Koop-Game mit einem wunderschönen, von 80er- und 90er-Jahre-Animes wie »Sailor Moon«, »Dragonball Z« oder »Ghost in the Shell« inspirierten Artstyle:
https://youtu.be/IBqFf2mXV9Y
Ihr könnt »Orbitals« bereits ab Donnerstag spielen!
»1001 Threads of Mizan«
Von vielen Besuchern als der Überraschungshit gefeiert: ein Koop-Action-Abenteuer, basierend auf »Tausendundeine Nacht«, das wirklich wunderschön aussieht:
https://youtu.be/9boclMow7JA
Ein Termin für den Release steht noch aus.
»Warlock: Dungeons & Dragons«
Und zu guter Letzt noch ein Spiel, das zwar nicht direkt auf der Gamescom vorgestellt wurde, aber trotzdem letzte Woche im Rahmen der Messe einen ersten richtigen Trailer bekommen hat und durchaus ein richtiges Highlight des nächsten Jahres werden könnte:
https://youtu.be/pNw0sh481bA
Werdet Ihr »GTA VI« spielen, und auf welche der Neuvorstellungen freut Ihr Euch ganz besonders?
31.08.2026 • 40 JAHRE BLUE VELVET
Gestern jährte sich die Weltpremiere von »Blue Velvet« von David Lynch in Kanada auf dem Montréal World Film Festival zum 40. Mal. Von der Kritik wurde das Werk überwiegend sehr positiv aufgenommen, sorgte aber auch für einige Festival-Eklats. An den Kinokassen spiegelte sich das Kritiker-Credo zunächst nicht wider, doch der Streifen reifte auch in der Gunst des Publikums weiter, gilt heute als einer der großen Klassiker der 1980er-Jahre und zählt zu den Filmen, die man unbedingt gesehen haben muss.
Man kann »Blue Velvet« einfach nur als Thriller konsumieren, doch unter seiner Oberfläche steckt eine Menge mehr. Bei genauem Hinsehen entfaltet sich eine Geschichte voller Traumlogik und Tiefe, die zur Interpretation oder auch einfach nur zum Abtauchen in eine abwegige Welt einlädt.
Bereits die ersten Bilder ziehen uns in ihren Bann: blauer Samt ... auf der Tonspur ertönt das Lied »Blue Velvet«, gesungen von Bobby Vinton, dazu ein tiefblauer Himmel, ein strahlend weißer Gartenzaun und blutrote Rosen. Diese drei Farben finden sich nicht zufällig auch auf der Flagge der Vereinigten Staaten wieder.
Ein altes Feuerwehrauto mit einem freundlich winkenden Feuerwehrmann fährt in Zeitlupe vorüber. Es wirkt, als befänden wir uns in einem Heile-Welt-Gemälde von Norman Rockwell. Ein übergewichtiger Mann bewässert mit dem Gartenschlauch seinen Rasen. Kurz darauf bricht er unter Schmerzen zusammen. Hilflos liegt er im Gras, den Schlauch noch immer in der Hand. Ein Kleinkind im Hintergrund und ein kleiner Hund, der mit dem Wasserstrahl des Schlauches spielt, sorgen dafür, dass die Stimmung trotz des Unfalls noch in der versöhnlichen Rockwell-Stimmung bleibt.
Dann taucht die Kamera ins Gras und Erdreich ab, und schon wird der Bildausschnitt von Insekten und schwarzen Käfern bevölkert. Die Großaufnahme lässt sie wie Monster wirken. Eine verborgene Unterwelt, die unter der Idylle lauert. Und ein Vorgeschmack auf die Hölle, die dem Protagonisten Jeffrey bevorsteht.
Weil sein Vater (der Mann im Garten) eine Wirbelkörperfraktur erlitten hat, lässt sich der junge Jeffrey Beaumont (Kyle MacLachlan) für einige Wochen vom College beurlauben und kehrt in seinen Heimatort, die Kleinstadt Lumberton in North Carolina, zurück, um seinen Vater im Krankenhaus zu besuchen und im Familiengeschäft auszuhelfen.
Auf dem Rückweg vom Krankenhaus findet er ein menschliches Ohr auf einem Brachgelände. Er übergibt es dem Polizisten Detective John Williams (George Dickerson), der in der Nachbarschaft wohnt. Durch den Fund ist Jeffreys Neugier geweckt, und er beginnt selbst nachzuforschen. Hilfe erhält er von Sandy Williams (Laura Dern), der Tochter des Polizisten.
Durch sie kommt er auf die Spur der Nachtclub-Sängerin Dorothy Vallens (Isabella Rossellini). Er beobachtet kurz darauf, wie der Psychopath Frank Booth (Dennis Hopper) Dorothy vergewaltigt. Jeffrey erfährt, dass Frank Dorothys Ehemann und ihren Sohn entführt hat und gefangen hält. Das Ohr, das Jeffrey gefunden hat, stammt von Dorothys Mann ...
Die Geschichte steckt voller Symbolik, ödipaler Konstellationen, Sex und Gewalt – ein albtraumhaftes Yin und Yang aus heiler Oberfläche und der darunter verborgenen Unterwelt. Die Handlung und ihre vieldeutigen Bilder können in viele Richtungen interpretiert werden, und man kann Stunden mit dem Versuch verbringen, ihre möglichen Bedeutungen zu entschlüsseln.
Kyle MacLachlan und Laura Dern machen eine gute Figur und sind toll besetzt, doch Isabella Rossellini und mehr noch Dennis Hopper dominieren ihre Szenen vollkommen. Hopper gibt einen der ekelhaftesten Schurken des Kinos der 1980er-Jahre. Der geflügelte Ausdruck "The Man We Love to Hate" wird ihm dabei kaum noch gerecht.
Im Streaming ist »Blue Velvet« derzeit nicht zu sehen. Aber er sollte ohnehin in keiner gut sortierten Filmsammlung fehlen. Falls Ihr ihn noch nicht habt, sei die vor etwa einem halben Jahr erschienene 4K-Version von Plaion Pictures empfohlen. Ein Vorgeschmack:
https://youtu.be/jMo2oI-m6ak
Man kann »Blue Velvet« einfach nur als Thriller konsumieren, doch unter seiner Oberfläche steckt eine Menge mehr. Bei genauem Hinsehen entfaltet sich eine Geschichte voller Traumlogik und Tiefe, die zur Interpretation oder auch einfach nur zum Abtauchen in eine abwegige Welt einlädt.
Bereits die ersten Bilder ziehen uns in ihren Bann: blauer Samt ... auf der Tonspur ertönt das Lied »Blue Velvet«, gesungen von Bobby Vinton, dazu ein tiefblauer Himmel, ein strahlend weißer Gartenzaun und blutrote Rosen. Diese drei Farben finden sich nicht zufällig auch auf der Flagge der Vereinigten Staaten wieder.
Ein altes Feuerwehrauto mit einem freundlich winkenden Feuerwehrmann fährt in Zeitlupe vorüber. Es wirkt, als befänden wir uns in einem Heile-Welt-Gemälde von Norman Rockwell. Ein übergewichtiger Mann bewässert mit dem Gartenschlauch seinen Rasen. Kurz darauf bricht er unter Schmerzen zusammen. Hilflos liegt er im Gras, den Schlauch noch immer in der Hand. Ein Kleinkind im Hintergrund und ein kleiner Hund, der mit dem Wasserstrahl des Schlauches spielt, sorgen dafür, dass die Stimmung trotz des Unfalls noch in der versöhnlichen Rockwell-Stimmung bleibt.
Dann taucht die Kamera ins Gras und Erdreich ab, und schon wird der Bildausschnitt von Insekten und schwarzen Käfern bevölkert. Die Großaufnahme lässt sie wie Monster wirken. Eine verborgene Unterwelt, die unter der Idylle lauert. Und ein Vorgeschmack auf die Hölle, die dem Protagonisten Jeffrey bevorsteht.
Weil sein Vater (der Mann im Garten) eine Wirbelkörperfraktur erlitten hat, lässt sich der junge Jeffrey Beaumont (Kyle MacLachlan) für einige Wochen vom College beurlauben und kehrt in seinen Heimatort, die Kleinstadt Lumberton in North Carolina, zurück, um seinen Vater im Krankenhaus zu besuchen und im Familiengeschäft auszuhelfen.
Auf dem Rückweg vom Krankenhaus findet er ein menschliches Ohr auf einem Brachgelände. Er übergibt es dem Polizisten Detective John Williams (George Dickerson), der in der Nachbarschaft wohnt. Durch den Fund ist Jeffreys Neugier geweckt, und er beginnt selbst nachzuforschen. Hilfe erhält er von Sandy Williams (Laura Dern), der Tochter des Polizisten.
Durch sie kommt er auf die Spur der Nachtclub-Sängerin Dorothy Vallens (Isabella Rossellini). Er beobachtet kurz darauf, wie der Psychopath Frank Booth (Dennis Hopper) Dorothy vergewaltigt. Jeffrey erfährt, dass Frank Dorothys Ehemann und ihren Sohn entführt hat und gefangen hält. Das Ohr, das Jeffrey gefunden hat, stammt von Dorothys Mann ...
Die Geschichte steckt voller Symbolik, ödipaler Konstellationen, Sex und Gewalt – ein albtraumhaftes Yin und Yang aus heiler Oberfläche und der darunter verborgenen Unterwelt. Die Handlung und ihre vieldeutigen Bilder können in viele Richtungen interpretiert werden, und man kann Stunden mit dem Versuch verbringen, ihre möglichen Bedeutungen zu entschlüsseln.
Kyle MacLachlan und Laura Dern machen eine gute Figur und sind toll besetzt, doch Isabella Rossellini und mehr noch Dennis Hopper dominieren ihre Szenen vollkommen. Hopper gibt einen der ekelhaftesten Schurken des Kinos der 1980er-Jahre. Der geflügelte Ausdruck "The Man We Love to Hate" wird ihm dabei kaum noch gerecht.
Im Streaming ist »Blue Velvet« derzeit nicht zu sehen. Aber er sollte ohnehin in keiner gut sortierten Filmsammlung fehlen. Falls Ihr ihn noch nicht habt, sei die vor etwa einem halben Jahr erschienene 4K-Version von Plaion Pictures empfohlen. Ein Vorgeschmack:
https://youtu.be/jMo2oI-m6ak
27.08.2026 • DAS ENDE DER STERNE
Heute startet »Das Ende der Sterne« von Vielfilmer Ridley Scott in den deutschen Kinos. Der Brite, dem wir Meisterwerke wie »Alien«, »Blade Runner« und »Gladiator« verdanken, denkt auch mit fast 89 Jahren noch nicht an die Rente.
»Das Ende der Sterne« basiert auf dem Roman »Das Ende der Sterne wie Big Hig sie kannte« von Peter Heller. Die Geschichte ist in einer postapokalyptischen Welt im Jahr 2035 angesiedelt. Eine tödliche Grippe hat den Großteil der Menschheit dahingerafft. Der Mechaniker Hig (Jacob Elordi) und der Ex-Marine Bangley (Josh Brolin) haben sich auf einem verlassenen Flugplatz im US-Bundesstaat Colorado häuslich eingerichtet und müssen das Gelände immer wieder gegen Banditen verteidigen. Eines Tages empfängt Hig einen Funkspruch. Mit seinem Hund Jasper begibt er sich mit seiner Cessna auf die Suche nach dem Ursprung des Signals. Dabei begegnet er den Überlebenden Cima (Margaret Qualley) und ihrem Vater Pops (Guy Pearce).
Erste Kritiken bewerten »Das Ende der Sterne« recht wohlwollend. Man solle allerdings kein Actionfeuerwerk erwarten. Ganz im Gegenteil: Der Film plätschert wohl über weite Strecken eher elegisch vor sich hin. Viel Beifall finden das Worldbuilding und die Landschaftsaufnahmen. Gedreht wurde übrigens nicht in Denver und den Rocky Mountains, sondern in Italien – in den Dolomiten und den Abruzzen. Das zerstörte Denver entstand in Rom und Umgebung. Diverse Aufnahmen wurden dabei in den berühmten Cinecittà-Studios sowie in den englischen Pinewood Studios gefilmt.
Wir erwarten nicht, dass Ridley Scott hier an seine ganz großen Erfolge anknüpft. Die sind wohl auch gar nicht zu toppen. Einen Kinobesuch ist uns die neue Arbeit des Meisters aber allemal wert, und auch auf die Besetzung freuen wir uns.
Ein erster Eindruck von der dystopischen Welt lässt sich mit dem Trailer gewinnen:
https://youtu.be/vk-5gFMrR-4
»Das Ende der Sterne« basiert auf dem Roman »Das Ende der Sterne wie Big Hig sie kannte« von Peter Heller. Die Geschichte ist in einer postapokalyptischen Welt im Jahr 2035 angesiedelt. Eine tödliche Grippe hat den Großteil der Menschheit dahingerafft. Der Mechaniker Hig (Jacob Elordi) und der Ex-Marine Bangley (Josh Brolin) haben sich auf einem verlassenen Flugplatz im US-Bundesstaat Colorado häuslich eingerichtet und müssen das Gelände immer wieder gegen Banditen verteidigen. Eines Tages empfängt Hig einen Funkspruch. Mit seinem Hund Jasper begibt er sich mit seiner Cessna auf die Suche nach dem Ursprung des Signals. Dabei begegnet er den Überlebenden Cima (Margaret Qualley) und ihrem Vater Pops (Guy Pearce).
Erste Kritiken bewerten »Das Ende der Sterne« recht wohlwollend. Man solle allerdings kein Actionfeuerwerk erwarten. Ganz im Gegenteil: Der Film plätschert wohl über weite Strecken eher elegisch vor sich hin. Viel Beifall finden das Worldbuilding und die Landschaftsaufnahmen. Gedreht wurde übrigens nicht in Denver und den Rocky Mountains, sondern in Italien – in den Dolomiten und den Abruzzen. Das zerstörte Denver entstand in Rom und Umgebung. Diverse Aufnahmen wurden dabei in den berühmten Cinecittà-Studios sowie in den englischen Pinewood Studios gefilmt.
Wir erwarten nicht, dass Ridley Scott hier an seine ganz großen Erfolge anknüpft. Die sind wohl auch gar nicht zu toppen. Einen Kinobesuch ist uns die neue Arbeit des Meisters aber allemal wert, und auch auf die Besetzung freuen wir uns.
Ein erster Eindruck von der dystopischen Welt lässt sich mit dem Trailer gewinnen:
https://youtu.be/vk-5gFMrR-4
27.08.2026 • EINE STIMME, VIELE GESICHTER
Und erneut hat eine Ikone diese Welt verlassen: Der britische Schauspieler, Sprecher und Sänger Tim Curry verstarb am 25. August in Los Angeles ebenfalls im Alter von 80 Jahren. Der Charakterdarsteller, der den meisten wohl vor allem als Dr. Frank N. Furter aus »The Rocky Horror Picture Show« und als dämonischer Clown Pennywise aus »Stephen Kings Es« bekannt sein wird, saß seit 2012 nach einem Schlaganfall im Rollstuhl und kämpfte seitdem mit verschiedensten Gesundheitsproblemen.
Seine Karriere startete 1968 mit dem Musical »Hair«, wo er Richard O'Brien kennenlernte – der später das Musical »The Rocky Horror Show« und dann die Verfilmung »The Rocky Horror Picture Show« schrieb, in denen Tim Curry die Rolle des Dr. Frank N. Furter übernahm. Dass die Figur wurde, was sie heute ist, war dabei Currys Verdienst: O'Brien hatte den exzentrischen Wissenschaftler ursprünglich als Deutschen im Laborkittel angelegt – erst Curry machte Korsett, Netzstrümpfe und einen englischen Oberschicht-Akzent daraus. Diese genderambivalente Schöpfung machte ihn auf einen Schlag weltberühmt. In der Folge war er in unzähligen Filmen zu sehen, oftmals als der Bösewicht, wie zum Beispiel als Mr. Hector in »Kevin – Allein in New York«, Kardinal Richelieu in »Die drei Musketiere«, Herr der Finsternis in Ridley Scotts »Legende«, Bill Sikes in der »Oliver Twist«-Verfilmung von 1982 sowie in einer großartigen Darbietung als Zauberer Trymon in »The Color of Magic – Die Reise des Zauberers« nach den Terry-Pratchett-Romanen »Die Farben der Magie« und »Das Licht der Phantasie«. Legendär auch sein Auftritt als Long John Silver in »Muppets – Die Schatzinsel«.
Seine markante Stimme machte ihn vor allem zum beliebten Synchronschauspieler und -sprecher, so zum Beispiel in seiner mit einem Emmy ausgezeichneten Darbietung als Captain Hook in der Serie »Peter Pan und die Piraten« oder als Darth Sidious / Palpatine in »Star Wars: The Clone Wars«.
Tim Curry heiratete nie und hatte auch keine Kinder, aber sein Vermächtnis ist enorm. Seine theatralische, teilweise sogar cartoonhaft überzogene Art des Schauspielens hat ihn zur Ikone der Popkultur und insbesondere der Horrorszene gemacht. Außerdem setzte er sich zeitlebens für soziale Gerechtigkeit ein.
Schweb ins nächste Abenteuer, lieber Tim – und wenn wir erst bei dir da oben sind, dann schweben wir auch!
Seine Karriere startete 1968 mit dem Musical »Hair«, wo er Richard O'Brien kennenlernte – der später das Musical »The Rocky Horror Show« und dann die Verfilmung »The Rocky Horror Picture Show« schrieb, in denen Tim Curry die Rolle des Dr. Frank N. Furter übernahm. Dass die Figur wurde, was sie heute ist, war dabei Currys Verdienst: O'Brien hatte den exzentrischen Wissenschaftler ursprünglich als Deutschen im Laborkittel angelegt – erst Curry machte Korsett, Netzstrümpfe und einen englischen Oberschicht-Akzent daraus. Diese genderambivalente Schöpfung machte ihn auf einen Schlag weltberühmt. In der Folge war er in unzähligen Filmen zu sehen, oftmals als der Bösewicht, wie zum Beispiel als Mr. Hector in »Kevin – Allein in New York«, Kardinal Richelieu in »Die drei Musketiere«, Herr der Finsternis in Ridley Scotts »Legende«, Bill Sikes in der »Oliver Twist«-Verfilmung von 1982 sowie in einer großartigen Darbietung als Zauberer Trymon in »The Color of Magic – Die Reise des Zauberers« nach den Terry-Pratchett-Romanen »Die Farben der Magie« und »Das Licht der Phantasie«. Legendär auch sein Auftritt als Long John Silver in »Muppets – Die Schatzinsel«.
Seine markante Stimme machte ihn vor allem zum beliebten Synchronschauspieler und -sprecher, so zum Beispiel in seiner mit einem Emmy ausgezeichneten Darbietung als Captain Hook in der Serie »Peter Pan und die Piraten« oder als Darth Sidious / Palpatine in »Star Wars: The Clone Wars«.
Tim Curry heiratete nie und hatte auch keine Kinder, aber sein Vermächtnis ist enorm. Seine theatralische, teilweise sogar cartoonhaft überzogene Art des Schauspielens hat ihn zur Ikone der Popkultur und insbesondere der Horrorszene gemacht. Außerdem setzte er sich zeitlebens für soziale Gerechtigkeit ein.
Schweb ins nächste Abenteuer, lieber Tim – und wenn wir erst bei dir da oben sind, dann schweben wir auch!
26.08.2026 • GESCHICHTEN ÜBER RATTEN- UND WELTRAUMPLAGEN
Morgen feiern zwei starke Games ihren Release. Ein Prequel zieht uns noch tiefer in die »A Plague Tale«-Lore und wir müssen uns als Strategen im »Star Wars«-Universum beweisen.
RESONANCE: A PLAGUE TALE LEGACY
Entwickler Asobo Studio entführt Euch nach seinen beiden Erfolgstiteln »A Plague Tale: Innocence« (2019) und »A Plague Tale: Requiem« (2022) mit »Resonance: A Plague Tale Legacy« etwa 15 Jahre in die Vergangenheit. Ihr schlüpft in die Rolle der 22-jährigen Sophia, die so mancher von Euch schon als Piratenkapitänin aus »Requiem« kennt. Ihre Reise beginnt in Venedig und führt auf die griechische Insel des Minotaurus. Während Sophia den Geheimnissen ihrer Vergangenheit auf den Grund geht, stößt sie auf die Ursprünge der verheerenden Macula-Rattenplage. Grafisch ist das Prequel wirklich schön anzusehen und es wird mehr Action geben als in den vorherigen Teilen. Zudem hat das Entwicklerstudio »Resonance: A Plague Tale Legacy« so gestaltet, dass das Vorwissen aus den Vorgängern nicht zwingend notwendig ist. Das Action-Adventure-Game wird für PlayStation 5, Xbox Series X|S und PC erscheinen. Hier ist der Trailer für einen richtig guten Vorgeschmack:
https://youtu.be/8sHJhrFF4V0
STAR WARS ZERO COMPANY
Ebenfalls für PlayStation 5, Xbox Series X|S und PC erscheint morgen »Star Wars Zero Company« aus dem Hause Bit Reactor, in Zusammenarbeit mit Lucasfilm und Respawn Entertainment. In dem rundenbasierten Taktikspiel geht es um die "Zero Company", eine Truppe aus Söldnern, Außenseitern, Klon-Deserteuren und ehemaligen Separatisten. Ihr spielt ihren Anführer, den bei der Republik in Ungnade gefallenen Captain Hawks, und müsst einen Kult daran hindern, eine mysteriöse biologische Bedrohung, genannt Schattenplage, in der Galaxis zu verbreiten. Für ein Strategiespiel ist es optisch ein echtes Highlight, aber leider könnt Ihr es nur im Einzelspieler-Modus genießen. Wie der Trailer schon zeigt, erwartet Euch ein spannendes Abenteuer im vertrauten »Star Wars«-Universum:
https://youtu.be/Q-pQE8dUV_g
Nicht zu vergessen: Heute startet die Gamescom 2026 in Köln - das Jahreshighlight für Gamer im deutschsprachigen Raum! Werdet Ihr vor Ort sein oder lieber alles bequem von zu Hause aus beobachten?
RESONANCE: A PLAGUE TALE LEGACY
Entwickler Asobo Studio entführt Euch nach seinen beiden Erfolgstiteln »A Plague Tale: Innocence« (2019) und »A Plague Tale: Requiem« (2022) mit »Resonance: A Plague Tale Legacy« etwa 15 Jahre in die Vergangenheit. Ihr schlüpft in die Rolle der 22-jährigen Sophia, die so mancher von Euch schon als Piratenkapitänin aus »Requiem« kennt. Ihre Reise beginnt in Venedig und führt auf die griechische Insel des Minotaurus. Während Sophia den Geheimnissen ihrer Vergangenheit auf den Grund geht, stößt sie auf die Ursprünge der verheerenden Macula-Rattenplage. Grafisch ist das Prequel wirklich schön anzusehen und es wird mehr Action geben als in den vorherigen Teilen. Zudem hat das Entwicklerstudio »Resonance: A Plague Tale Legacy« so gestaltet, dass das Vorwissen aus den Vorgängern nicht zwingend notwendig ist. Das Action-Adventure-Game wird für PlayStation 5, Xbox Series X|S und PC erscheinen. Hier ist der Trailer für einen richtig guten Vorgeschmack:
https://youtu.be/8sHJhrFF4V0
STAR WARS ZERO COMPANY
Ebenfalls für PlayStation 5, Xbox Series X|S und PC erscheint morgen »Star Wars Zero Company« aus dem Hause Bit Reactor, in Zusammenarbeit mit Lucasfilm und Respawn Entertainment. In dem rundenbasierten Taktikspiel geht es um die "Zero Company", eine Truppe aus Söldnern, Außenseitern, Klon-Deserteuren und ehemaligen Separatisten. Ihr spielt ihren Anführer, den bei der Republik in Ungnade gefallenen Captain Hawks, und müsst einen Kult daran hindern, eine mysteriöse biologische Bedrohung, genannt Schattenplage, in der Galaxis zu verbreiten. Für ein Strategiespiel ist es optisch ein echtes Highlight, aber leider könnt Ihr es nur im Einzelspieler-Modus genießen. Wie der Trailer schon zeigt, erwartet Euch ein spannendes Abenteuer im vertrauten »Star Wars«-Universum:
https://youtu.be/Q-pQE8dUV_g
Nicht zu vergessen: Heute startet die Gamescom 2026 in Köln - das Jahreshighlight für Gamer im deutschsprachigen Raum! Werdet Ihr vor Ort sein oder lieber alles bequem von zu Hause aus beobachten?
26.08.2026 • DOLLY PARTON, 1946–2026
Dolly Parton ist tot. Die wahnsinnig erfolgreiche Sängerin, Songwriterin, Unternehmerin und Philanthropin starb gestern im Alter von 80 Jahren an den Folgen einer Krebserkrankung. Damit ist eine wirklich besondere Persönlichkeit von uns gegangen. Sie hatte nicht nur großen Einfluss auf die Country- und Popmusik – ihr Song »Jolene« wurde hunderte Male gecovert, und ihr selbst geschriebenes »I Will Always Love You« wurde in Whitney Houstons Version zu deren größtem Hit –, sondern prägte auch drei Generationen Medien- und Popkultur in den Vereinigten Staaten. Wenige Menschen unserer Zeit gelten als so universell geliebt und wertgeschätzt wie die strasssteinbesetzte „blonde Bombshell". So wurde ihr Satz "Wäre ich keine Frau geworden, wäre ich mit Sicherheit eine Drag Queen" zum geflügelten Wort der LGBTQ+-Szene und ihr Song »9 to 5« zur Hymne der arbeitenden Frauen, während ihre Gospelnummer »He's Alive« im evangelikalen Süden bis heute zu jedem Osterfest läuft und der betont christlich-konservative Film »Coat of Many Colors« über ihre Kindheit zu einem der meist gesehenen Fernsehfilme der letzten Jahre wurde. Möglich war das, weil sie sich jeder Parteinahme verweigerte: Sie lehnte die Presidential Medal of Freedom dreimal ab, um nicht politisch instrumentalisiert zu werden, und was sich progressiv lesen ließ, begründete sie nie mit Politik, sondern mit ihrem Glauben. Zuletzt war sie vor allem als Wohltäterin aktiv und nutzte ihr Vermögen, um Millionen Kindern Bücher zu schenken und so ihren Beitrag zur Leseförderung zu leisten. Präsident Donald Trump ordnete an, dass die Flaggen im Land eine Woche lang auf halbmast gesetzt werden – irgendwie ein klares Zeichen für ihre unkontroverse Beliebtheit.
Ruhe in Frieden, Dolly. We will always love you!
Ruhe in Frieden, Dolly. We will always love you!
25.08.2026 • NEUER SERIEN-KRATOS GEFUNDEN
Der neue Kratos in der »God of War«-Serie steht fest! Aufgrund einer schweren Verletzung von Ryan Hurst wird nun Dave Bautista die Hauptrolle übernehmen.
Nach dem Scheitern einer geplanten Verfilmung der erfolgreichen Spielereihe wurde 2022 die Serienadaption angekündigt, die von Sony Pictures Television und Amazon Studios in Zusammenarbeit mit PlayStation Productions produziert wird. Die Serie soll die beiden Spiele, die auf der nordischen Mythologie basieren – »God of War« von 2018 und »God of War Ragnarök« von 2022 – adaptieren. Erst im Januar dieses Jahres war Ryan Hurst, der in letzterem Spiel Thor seine Stimme lieh, für die Rolle des Kratos bestätigt worden. Kurz darauf begannen dann die Dreharbeiten für die beiden bestellten Staffeln, die back-to-back gefilmt werden sollten.
Nachdem Ryan Hurst sich allerdings Ende Juni bei einem Stunt einen Bizepsriss zugezogen hat, und klar wurde, dass er nicht weitermachen kann, fing die Gerüchteküche an zu brodeln. Wer würde an seiner Stelle die Rolle des griechischen Kriegsgottes übernehmen? Die Namen vieler ehemaliger WWE-Stars kursierten im Netz – unter anderem Braun Strowman oder der derzeitige WWE Chief Content Officer Triple H wurden öfter genannt. Letztendlich haben sich Amazon und Sony für einen anderen Ex-Wrestler entschieden: Dave Bautista, der im Ring als The Animal oder Batista bekannt, zuletzt aber vor allem als Schauspieler tätig war.
Der Neustart der Dreharbeiten kann also losgehen – die vier bereits abgedrehten Folgen werden neu gefilmt – und es wird sich zeigen, ob es die richtige Wahl war, Batista auf die Götter loszulassen. Unser Tobi ist da etwas skeptisch, was die Neubesetzung angeht und hätte sich eher Triple H gewünscht. Welcher Schauspieler wäre Eurer Meinung nach der ideale Kratos?
Nach dem Scheitern einer geplanten Verfilmung der erfolgreichen Spielereihe wurde 2022 die Serienadaption angekündigt, die von Sony Pictures Television und Amazon Studios in Zusammenarbeit mit PlayStation Productions produziert wird. Die Serie soll die beiden Spiele, die auf der nordischen Mythologie basieren – »God of War« von 2018 und »God of War Ragnarök« von 2022 – adaptieren. Erst im Januar dieses Jahres war Ryan Hurst, der in letzterem Spiel Thor seine Stimme lieh, für die Rolle des Kratos bestätigt worden. Kurz darauf begannen dann die Dreharbeiten für die beiden bestellten Staffeln, die back-to-back gefilmt werden sollten.
Nachdem Ryan Hurst sich allerdings Ende Juni bei einem Stunt einen Bizepsriss zugezogen hat, und klar wurde, dass er nicht weitermachen kann, fing die Gerüchteküche an zu brodeln. Wer würde an seiner Stelle die Rolle des griechischen Kriegsgottes übernehmen? Die Namen vieler ehemaliger WWE-Stars kursierten im Netz – unter anderem Braun Strowman oder der derzeitige WWE Chief Content Officer Triple H wurden öfter genannt. Letztendlich haben sich Amazon und Sony für einen anderen Ex-Wrestler entschieden: Dave Bautista, der im Ring als The Animal oder Batista bekannt, zuletzt aber vor allem als Schauspieler tätig war.
Der Neustart der Dreharbeiten kann also losgehen – die vier bereits abgedrehten Folgen werden neu gefilmt – und es wird sich zeigen, ob es die richtige Wahl war, Batista auf die Götter loszulassen. Unser Tobi ist da etwas skeptisch, was die Neubesetzung angeht und hätte sich eher Triple H gewünscht. Welcher Schauspieler wäre Eurer Meinung nach der ideale Kratos?
25.08.2026 • BLUE EYE SAMURAI
Vor einigen Tagen veröffentlichte Netflix einen ersten Teaser zur zweiten Staffel von »Blue Eye Samurai«, die im Januar 2027 online gehen wird:
https://youtu.be/3oCx6HcYz9k
Diese Nachricht rettete dann auch prompt unseren Tag, denn »Blue Eye Samurai« ist eine der aktuell besten Animationsserien für ein erwachsenes Publikum. Hier sind zehn gute Gründe, warum die Serie so großartig ist und warum wir uns maßlos auf die zweite Staffel freuen:
Mizu und der Pfad der Rache
Im Japan der Edo-Zeit, als sich das Land von der Außenwelt abschottete, blieben vier Europäer dort und machten heimlich Geschäfte mit dem Shogunat. Sie waren in Waffen-, Opium- und Mädchenhandel verstrickt. Einer von ihnen vergewaltigte Mizus Mutter. Mizu ist das Kind dieser Vergewaltigung. Ihre gemischte Herkunft macht sie zu einer Ausgestoßenen. Sie verbirgt ihre blauen Augen hinter einer getönten Brille und beschreitet, als Mann verkleidet, den Weg der Rache. Mizu ist ein sehr komplexer, ambivalenter Charakter. Zu Beginn der Geschichte ist sie ein einsamer Wolf, voller Wut und Selbsthass ...
Charaktertiefe und Entwicklung
Charaktertiefe und Entwicklung finden wir nicht nur bei Mizu, sondern auch bei allen wichtigen Nebenfiguren, die allesamt wunderbar ausgearbeitet sind. Ringo, der optimistische, handlose Koch, wird zum moralischen Kompass der Geschichte. Taigen, ein zunächst arroganter Schwertkämpfer, ist davon getrieben, seine durch Mizu verletzte Ehre wiederherzustellen, und wird letztlich zu einem Verbündeten. Prinzessin Akemi beginnt als verwöhnte Tochter eines Adeligen und reift zu einer starken, verantwortungsbewussten Frau.
Die Schönheit der Welt – "Every Frame a Painting"
Dieser Ausspruch lässt sich absolut auf die Serie anwenden. Die Gestaltung der japanischen Landschaft, die Architektur der Dörfer und Städte sowie die Innenräume sind ungeheuer reich an Details und Texturen und erzeugen ein sehr greifbares Bild der Geschichte und der Zeit, in der sie spielt.
Die genaue Recherche
Von der Kleidung über die Art, sich zu bewegen, bis hin zu den Speisen jener Zeit vermittelt die akribische Recherche ein sehr authentisches Bild. Alles fühlt sich greifbar und echt an. Man taucht vollkommen in diese Welt ein – eine Einladung zum Bingewatching, der auch wir nicht widerstehen konnten.
Die Animation
Die Kombination aus 2D- und 3D-Animation verschmilzt zu einem Gesamtkunstwerk. Schnitt und Pacing sind sehr dynamisch, und viele Szenen erinnern an die klassischen Samurai-Filme von Akira Kurosawa. Die Schwertkämpfe sind hervorragend mit Stuntleuten choreografiert.
Nichts für Kinder
Die Serie ist definitiv nichts für Kinder. Es gibt mörderische Intrigen, und auch Themen wie Opiumsucht und Perversion haben ihren Platz. Zudem spritzt viel Blut, und auch mit Nacktheit und Sex wird nicht gegeizt. Aber all das ist niemals Selbstzweck, sondern dient stets der Geschichte und der Charakterisierung der Figuren.
Kunstvolle Rückblenden
Fantastisch ist auch der souveräne und kunstvolle Umgang mit Rückblenden. In Episode 5, »Die Geschichte vom Ronin und der Braut« (IMDb: 9,5!), werden eine Aufführung eines Bunraku-Puppentheaters am Hof des Shoguns, der Kampf Mizus gegen eine Übermacht, die das Teehaus angreift, und eine tragische Episode aus Mizus Vergangenheit meisterhaft miteinander verwoben – großes Kino!
Die Musik
Erwähnung verdient auch die Musik der Serie, die von Amie Doherty komponiert wurde. Sie verbindet traditionelle japanische Instrumente wie Shakuhachi, Shamisen und Taiko mit einem modernen Orchester-Filmmusik-Sound. In vielen Actionszenen wird ganz im Stil eines Quentin Tarantino auf populäre Songs zurückgegriffen. Das Ergebnis macht unglaublich viel Spaß!
London Calling
Am Ende der Staffel macht sich Mizu auf den Weg ins ferne London. Wir sind sehr gespannt, wie die Stadt im 17. Jahrhundert in der Serie aussehen wird, wie diese andere Seite von Mizus Herkunft auf sie wirken wird und wie sich ihre Reise und ihre weitere Entwicklung gestalten werden.
Noch viele Geheimnisse
Auch in Japan gibt es noch Geheimnisse, die darauf warten, enthüllt zu werden. So soll beispielsweise ein totgeglaubter Charakter wieder auftauchen.
Wir warten jetzt sehnsüchtig darauf, dass die Geschichte weitergeht. Habt Ihr die erste Staffel gesehen? Wenn nicht, dann solltet Ihr das unbedingt nachholen – Ihr werdet sie lieben! Und wenn Ihr so richtig Blut geleckt habt, legen wir Euch die »Blue Eye Samurai« Figuren von Dark Horse ans Herz:
https://www.space-figuren.de/Serien/Blue-Eye-Samurai:::4682_5669.html
Wir hoffen sehr, dass sich auch noch andere Hersteller eine Lizenz zu dieser großartigen Serie schnappen.
https://youtu.be/3oCx6HcYz9k
Diese Nachricht rettete dann auch prompt unseren Tag, denn »Blue Eye Samurai« ist eine der aktuell besten Animationsserien für ein erwachsenes Publikum. Hier sind zehn gute Gründe, warum die Serie so großartig ist und warum wir uns maßlos auf die zweite Staffel freuen:
Mizu und der Pfad der Rache
Im Japan der Edo-Zeit, als sich das Land von der Außenwelt abschottete, blieben vier Europäer dort und machten heimlich Geschäfte mit dem Shogunat. Sie waren in Waffen-, Opium- und Mädchenhandel verstrickt. Einer von ihnen vergewaltigte Mizus Mutter. Mizu ist das Kind dieser Vergewaltigung. Ihre gemischte Herkunft macht sie zu einer Ausgestoßenen. Sie verbirgt ihre blauen Augen hinter einer getönten Brille und beschreitet, als Mann verkleidet, den Weg der Rache. Mizu ist ein sehr komplexer, ambivalenter Charakter. Zu Beginn der Geschichte ist sie ein einsamer Wolf, voller Wut und Selbsthass ...
Charaktertiefe und Entwicklung
Charaktertiefe und Entwicklung finden wir nicht nur bei Mizu, sondern auch bei allen wichtigen Nebenfiguren, die allesamt wunderbar ausgearbeitet sind. Ringo, der optimistische, handlose Koch, wird zum moralischen Kompass der Geschichte. Taigen, ein zunächst arroganter Schwertkämpfer, ist davon getrieben, seine durch Mizu verletzte Ehre wiederherzustellen, und wird letztlich zu einem Verbündeten. Prinzessin Akemi beginnt als verwöhnte Tochter eines Adeligen und reift zu einer starken, verantwortungsbewussten Frau.
Die Schönheit der Welt – "Every Frame a Painting"
Dieser Ausspruch lässt sich absolut auf die Serie anwenden. Die Gestaltung der japanischen Landschaft, die Architektur der Dörfer und Städte sowie die Innenräume sind ungeheuer reich an Details und Texturen und erzeugen ein sehr greifbares Bild der Geschichte und der Zeit, in der sie spielt.
Die genaue Recherche
Von der Kleidung über die Art, sich zu bewegen, bis hin zu den Speisen jener Zeit vermittelt die akribische Recherche ein sehr authentisches Bild. Alles fühlt sich greifbar und echt an. Man taucht vollkommen in diese Welt ein – eine Einladung zum Bingewatching, der auch wir nicht widerstehen konnten.
Die Animation
Die Kombination aus 2D- und 3D-Animation verschmilzt zu einem Gesamtkunstwerk. Schnitt und Pacing sind sehr dynamisch, und viele Szenen erinnern an die klassischen Samurai-Filme von Akira Kurosawa. Die Schwertkämpfe sind hervorragend mit Stuntleuten choreografiert.
Nichts für Kinder
Die Serie ist definitiv nichts für Kinder. Es gibt mörderische Intrigen, und auch Themen wie Opiumsucht und Perversion haben ihren Platz. Zudem spritzt viel Blut, und auch mit Nacktheit und Sex wird nicht gegeizt. Aber all das ist niemals Selbstzweck, sondern dient stets der Geschichte und der Charakterisierung der Figuren.
Kunstvolle Rückblenden
Fantastisch ist auch der souveräne und kunstvolle Umgang mit Rückblenden. In Episode 5, »Die Geschichte vom Ronin und der Braut« (IMDb: 9,5!), werden eine Aufführung eines Bunraku-Puppentheaters am Hof des Shoguns, der Kampf Mizus gegen eine Übermacht, die das Teehaus angreift, und eine tragische Episode aus Mizus Vergangenheit meisterhaft miteinander verwoben – großes Kino!
Die Musik
Erwähnung verdient auch die Musik der Serie, die von Amie Doherty komponiert wurde. Sie verbindet traditionelle japanische Instrumente wie Shakuhachi, Shamisen und Taiko mit einem modernen Orchester-Filmmusik-Sound. In vielen Actionszenen wird ganz im Stil eines Quentin Tarantino auf populäre Songs zurückgegriffen. Das Ergebnis macht unglaublich viel Spaß!
London Calling
Am Ende der Staffel macht sich Mizu auf den Weg ins ferne London. Wir sind sehr gespannt, wie die Stadt im 17. Jahrhundert in der Serie aussehen wird, wie diese andere Seite von Mizus Herkunft auf sie wirken wird und wie sich ihre Reise und ihre weitere Entwicklung gestalten werden.
Noch viele Geheimnisse
Auch in Japan gibt es noch Geheimnisse, die darauf warten, enthüllt zu werden. So soll beispielsweise ein totgeglaubter Charakter wieder auftauchen.
Wir warten jetzt sehnsüchtig darauf, dass die Geschichte weitergeht. Habt Ihr die erste Staffel gesehen? Wenn nicht, dann solltet Ihr das unbedingt nachholen – Ihr werdet sie lieben! Und wenn Ihr so richtig Blut geleckt habt, legen wir Euch die »Blue Eye Samurai« Figuren von Dark Horse ans Herz:
https://www.space-figuren.de/Serien/Blue-Eye-Samurai:::4682_5669.html
Wir hoffen sehr, dass sich auch noch andere Hersteller eine Lizenz zu dieser großartigen Serie schnappen.
24.08.2026 • THEY'RE BACK TO THE BONE!
Die Vorfreude auf diese Neuheiten ging uns bis in die Knochen. Am Stand der Four Horsemen auf der diesjährigen San Diego Comic Con zogen sie bereits viele Blicke auf sich – nun könnt Ihr sie Euch endlich für Eure Sammlung sichern: die Skeleton Warriors! Die Neuauflage der Toyline von Playmates Toys aus 1994, die auf der gleichnamigen Animationsserie basierte, vereint barbarische Fantasy mit futuristischer Technologie und gewaltiger Feuerkraft.
Die neu gestalteten Actionfiguren von Dr. Cyborn, Aracula, Claw und Bone-Zai im Maßstab 1:12, die Four Horsemen Studios gemeinsam mit Lay Carnagey Entertainment kreiert hat, und das Zubehör bestechen durch furchterregende Skelett-Details, metallisch glänzende Rüstungsteile und eine detailreiche Ausführung. Und als Teil der Infinite Legions Reihe können einzelne Komponenten dieser fantastischen Collectibles untereinander sowie mit Figuren der Mythic Legions und Cosmic Legions getauscht und kombiniert werden. Vergesst nicht, Sterbliche: Skeleton Warriors sind nicht nur gefährlich ... they're back to the bone!
Bestellt Euch die Figuren der Wave 1 jetzt vor – einzeln oder alle vier als Bundle:
https://www.space-figuren.de/Mehr/Skeleton-Warriors:::4687_5690.html
Die neu gestalteten Actionfiguren von Dr. Cyborn, Aracula, Claw und Bone-Zai im Maßstab 1:12, die Four Horsemen Studios gemeinsam mit Lay Carnagey Entertainment kreiert hat, und das Zubehör bestechen durch furchterregende Skelett-Details, metallisch glänzende Rüstungsteile und eine detailreiche Ausführung. Und als Teil der Infinite Legions Reihe können einzelne Komponenten dieser fantastischen Collectibles untereinander sowie mit Figuren der Mythic Legions und Cosmic Legions getauscht und kombiniert werden. Vergesst nicht, Sterbliche: Skeleton Warriors sind nicht nur gefährlich ... they're back to the bone!
Bestellt Euch die Figuren der Wave 1 jetzt vor – einzeln oder alle vier als Bundle:
https://www.space-figuren.de/Mehr/Skeleton-Warriors:::4687_5690.html
20.08.2026 • MORTAL SHELL II
Die Sonne gönnt uns keine Pause, also flüchten wir in das nächste düstere Soulslike-Game: Heute feiert »Mortal Shell II« seinen Release! Es erscheint für PlayStation 5, Xbox Series X|S und PC. Während der erste Teil von Entwickler Cold Symmetry noch ein Indie-Geheimtipp war, sieht man der Fortsetzung das aufgestockte Budget deutlich an. Damals war die Welt von eher schlauchartigen Gebieten geprägt, nun erwartet Euch als Spieler eine immersive Open World, die über 60 handgefertigte Dungeons, Tempel, Wälder und Zitadellen umfasst. Die Spielzeit der Kampagne beträgt 20 bis 30 Stunden und damit über das Doppelte im Vergleich zum Vorgänger. Bisherige Testwertungen fielen sehr positiv aus. Grafisch kann der Titel definitiv mit anderen Genre-Größen mithalten. Hier geht's zum Launch-Trailer:
https://youtu.be/MIEHUDi6DwU
Skurriles Gegner-Design und eine bizarre Atmosphäre prägen »Mortal Shell II«. Die düstere Welt wird von der göttlichen Urmutter beherrscht, die im Sterben liegt und die gesamte Existenz mit sich zu reißen droht. Als seelenloser Geist müsst Ihr die verlorenen Eizellen jener Urmutter finden, damit ein neuer göttlicher Zyklus seinen Lauf nehmen kann. Um in der physischen Welt kämpfen zu können, schlüpft Ihr in die Körper gefallener Krieger, deren Schicksale mit dem der Urmutter verflochten sind. Doch groteske Monster, falsche Götter und verfallene Kreaturen werden sich Euch in den Weg stellen, da sie die Eizellen für ihre eigenen Zwecke missbrauchen wollen.
Wer von Euch wird in »Mortal Shell II« seine neue Hülle annehmen und sich auf die Suche machen?
https://youtu.be/MIEHUDi6DwU
Skurriles Gegner-Design und eine bizarre Atmosphäre prägen »Mortal Shell II«. Die düstere Welt wird von der göttlichen Urmutter beherrscht, die im Sterben liegt und die gesamte Existenz mit sich zu reißen droht. Als seelenloser Geist müsst Ihr die verlorenen Eizellen jener Urmutter finden, damit ein neuer göttlicher Zyklus seinen Lauf nehmen kann. Um in der physischen Welt kämpfen zu können, schlüpft Ihr in die Körper gefallener Krieger, deren Schicksale mit dem der Urmutter verflochten sind. Doch groteske Monster, falsche Götter und verfallene Kreaturen werden sich Euch in den Weg stellen, da sie die Eizellen für ihre eigenen Zwecke missbrauchen wollen.
Wer von Euch wird in »Mortal Shell II« seine neue Hülle annehmen und sich auf die Suche machen?
19.08.2026 • WILDWOOD
Beim Wort Animationsfilm denken die meisten direkt an die großen Player: Pixar, Dreamworks und allen voran natürlich Disney. Dass diese uns über die Jahre wunderbare und unvergessliche Werke beschert haben, steht außer Frage. Doch die Menge an Filmen, die gerade letzteres Studio auf den Markt pumpt – siehe unsere News zur D23, die am vergangenen Wochenende stattfand – darunter unzählige Fortsetzungen (ganz zu Schweigen von den Live-Action-Remakes), hinterlässt bei vielen den Wunsch nach originellen, handgemachten Streifen. Genau das findet man beim Stop-Motion-Studio Laika, das unter Animations-Fans längst kein Geheimtipp mehr ist, aber der breiten Masse vermutlich wenig sagt. Laikas erstes und bekanntestes Werk »Coraline« aus dem Jahr 2009 ist mittlerweile so etwas wie ein Animations-Kultfilm. Genau dieses Studio veröffentlichte heute den ersten offiziellen Trailer für seinen lang erwarteten sechsten Streifen:
https://youtu.be/dtr5JL1zkiM
»Wildwood« basiert auf dem gleichnamigen Buch von Colin Meloy und handelt von der jungen Prue, die sich zusammen mit ihrem Klassenkameraden Curtis auf der Suche nach ihrem kleinen Bruder, der von einem Schwarm Krähen entführt wurde, in einen magischen Wald begeben muss. Wie der Trailer bereits zeigt, erwartet uns ein episches und düsteres Abenteuer mit einer Vielzahl faszinierender Charaktere. Und untermalt wird der hochemotionale Clip von einem wunderschönen Cover von Aviciis »Wake Me Up«. Dass der Hype groß ist, machte schon der Teaser Trailer klar, der vor wenigen Monaten innerhalb kürzester Zeit Aufrufzahlen von über 80 Millionen (!) erreichte. Hoffen wir, dass sich das ab dem 5. November auch an den Kinokassen widerspiegelt! Regie führte übrigens Travis Knight, der aktuelle CEO des Studios, der auch für Laikas »Kubo: Der tapfere Samurai« sowie für die diesjährige Live-Action-Verfilmung von »Masters of the Universe« verantwortlich zeichnet.
Abgesehen davon, wie beeindruckend diese Kunstform ist (ein Blick in die Making-of- und Behind-the-Scenes-Videos auf dem offiziellen LAIKA Studios YouTube-Kanal lohnt sich!), haben gerade Stop-Motion-Werke wie »Mary & Max«, »Mein Leben als Zucchini«, »Guillermo del Toros Pinocchio« oder Laikas »Coraline« über die letzten Jahre immer wieder bewiesen, dass Animation kein Genre, sondern ein Medium ist, mit dem sich auch ernste, erwachsene Geschichten erzählen lassen. Auch »Wildwood« scheint düstere Töne anzuschlagen – wir sind sehr gespannt!
https://youtu.be/dtr5JL1zkiM
»Wildwood« basiert auf dem gleichnamigen Buch von Colin Meloy und handelt von der jungen Prue, die sich zusammen mit ihrem Klassenkameraden Curtis auf der Suche nach ihrem kleinen Bruder, der von einem Schwarm Krähen entführt wurde, in einen magischen Wald begeben muss. Wie der Trailer bereits zeigt, erwartet uns ein episches und düsteres Abenteuer mit einer Vielzahl faszinierender Charaktere. Und untermalt wird der hochemotionale Clip von einem wunderschönen Cover von Aviciis »Wake Me Up«. Dass der Hype groß ist, machte schon der Teaser Trailer klar, der vor wenigen Monaten innerhalb kürzester Zeit Aufrufzahlen von über 80 Millionen (!) erreichte. Hoffen wir, dass sich das ab dem 5. November auch an den Kinokassen widerspiegelt! Regie führte übrigens Travis Knight, der aktuelle CEO des Studios, der auch für Laikas »Kubo: Der tapfere Samurai« sowie für die diesjährige Live-Action-Verfilmung von »Masters of the Universe« verantwortlich zeichnet.
Abgesehen davon, wie beeindruckend diese Kunstform ist (ein Blick in die Making-of- und Behind-the-Scenes-Videos auf dem offiziellen LAIKA Studios YouTube-Kanal lohnt sich!), haben gerade Stop-Motion-Werke wie »Mary & Max«, »Mein Leben als Zucchini«, »Guillermo del Toros Pinocchio« oder Laikas »Coraline« über die letzten Jahre immer wieder bewiesen, dass Animation kein Genre, sondern ein Medium ist, mit dem sich auch ernste, erwachsene Geschichten erzählen lassen. Auch »Wildwood« scheint düstere Töne anzuschlagen – wir sind sehr gespannt!
19.08.2026 • S.P.A.C.E POSTCARD COLLECTION AUGUST 2026
Seit Ende Juli begeistert der Sommerblockbuster »Spider-Man: Brand New Day« Marvel-Fans auf der großen Leinwand und bricht Box-Office-Rekorde. Und bereits Wochen und Monate im Vorfeld war der Hype riesig! Da stand es für uns außer Frage, dass die freundliche Spinne aus der Nachbarschaft unsere Postkarte im August schmücken soll. 🕷️🕸️
Wie gut, dass Stefan Spidey taufrisch beim Anbruch eines brandneuen Tages auf dem Weg zu seiner nächsten Mission erwischt und direkt für uns abgelichtet hat! Auf unserer August-Postkarte ist er noch im Classic Suit aus »Marvel's Spider-Man« zu sehen. Zum Präsentieren derselbigen war dann aber schon die neueste Version des Superhelden aus »Brand New Day« von Hot Toys am Start – perfektes Timing! 😄
In jedem Paket, dass Ihr diesen Monat von uns erhaltet, gibt's ein Exemplar dieser Karte gratis als Goodie obendrauf. Und wenn Ihr mehr krasse Toy-Fotos diverser 1/6 Figuren bewundern wollt, dann schaut auf jeden Fall bei Stefan auf Instagram vorbei!
📸 by @lesgrohl
Wie gut, dass Stefan Spidey taufrisch beim Anbruch eines brandneuen Tages auf dem Weg zu seiner nächsten Mission erwischt und direkt für uns abgelichtet hat! Auf unserer August-Postkarte ist er noch im Classic Suit aus »Marvel's Spider-Man« zu sehen. Zum Präsentieren derselbigen war dann aber schon die neueste Version des Superhelden aus »Brand New Day« von Hot Toys am Start – perfektes Timing! 😄
In jedem Paket, dass Ihr diesen Monat von uns erhaltet, gibt's ein Exemplar dieser Karte gratis als Goodie obendrauf. Und wenn Ihr mehr krasse Toy-Fotos diverser 1/6 Figuren bewundern wollt, dann schaut auf jeden Fall bei Stefan auf Instagram vorbei!
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